Von Jean-Luc Godard an Federico Fellini: 10 wesentliche Maximum Filme

Nach dem Maximum mehr war die maximalistische Bewegung eine Reaktion auf die relative Stille des Minimalismus. Obwohl der Begriff ursprünglich dazu bestimmt war, übermäßige Experimente der postmodernen Literatur zu beschreiben, kann der Maximalismus auch in anderen Kunstformen wie Musik und Kino leicht beobachtet werden. Maximale Filme verwenden häufig übertriebene Stylisationen, die den Betrachter dazu zwingen, sich der illusorischen Natur der Umwelt zu stellen.

Einer der bekanntesten Filmemacher in der Geschichte des Kinos, dessen künstlerische Vision maximalistische Eigenschaften hatte, war Federico Fellini. In einem Interview gab er zu: Ich habe Angst vor Einsamkeit, der Kluft zwischen der Handlung und der Beobachtung, in der Einsamkeit lebt. Das ist eine Reflexion in meiner Existenz, in der ich versuche, nicht durch Handlungen zu handeln, um gleichzeitig aussagen zu können. Ich befürchte, meine Spontaneität aufgrund solcher Aussagen oder Aussagen aufgrund meiner Angewohnheit, ständig zu analysieren und zu kommentieren, zu verlieren. Ich fürchte auch Alter, Wahnsinn, Niedergang. Ich befürchte, nicht in der Lage zu sein, zehnmal am Tag zu lieben.

Das Hinzufügen von Filmen für mich ist nicht nur ein kreativer Ausgang, sondern auch ein existenzieller Ausdruck. Ich schreibe und male auch isoliert, asketisch. Vielleicht ist mein Charakter zu hart, zu schwer. Das Kino selbst ist jedoch ein Wunder, weil Sie das Leben leben können, wie Sie sagen. Es ist sehr anregend. Für mein Temperament und meine Empfindlichkeit ist diese Korrelation zwischen dem täglichen Leben und dem Leben, von dem ich glaube, dass es auf dem Bildschirm glaube, fantastisch.

In unserem letzten Zentrum der Aufmerksamkeit im Weltkino werfen wir einen Blick auf die Arbeit von Regisseuren wie Jean-Luc Godard, Federico Fellini und mehr, um die entscheidenden Elemente des maximalistischen Kinos zu verstehen.

10 Wesentliche maximale Filme:

Napoleon (Abel Gance - 1927)

Es wurde oft zu den besten Stummfilmen gezählt, die jemals gedreht wurden. Abel Gances Epos im Jahr 1927 führt eine spektakuläre kinematografische Übersetzung von Napoleons Leben durch. Die genialen Bearbeitungstechniken sowie die einzigartige visuelle Erzählung inspirierten die Pioniere der Neue französische Welle und trug erheblich zur Entwicklung des Kinos bei.

joanna gaines zwillinge

Gance sagte einmal, dass Poesie der unerklärliche Duft einer Blume ist. Braque hat es sehr gut gesagt: Alles, was in der Kunst zählt, kann nicht erklärt werden. Das ist grundlegend. Verständnis hat damit nichts zu tun; Er kommt, sagt er, es scheint, dass er Lektionen anzieht, aber trotz allem hat er nicht den Duft einer Rose.

michele.morrone freundin

Krieg und Frieden (Subventionierbares Darlehen - 1967)

Eine der besten kinematografischen Anpassungen von Leo Tolstois wegweisendem Roman Krieg und Frieden Sergei Bondarchuks Version war eine Sammlung von vier verschiedenen Lieferungen, die 1966 und '67 herauskamen. Es wurde von vielen als das ehrgeizigste filmische Projekt anerkannt, das versuchte, den unkalkulierbaren Rahmen der poetischen Interpretation des menschlichen Zustands durch Tolstoys zu erfassen.

Aufgrund der Größe der epischen Produktion,, Krieg und Frieden Am Ende wurde er zum teuersten Film in der Geschichte der Sowjetunion. Glücklicherweise war es ein kommerzieller Erfolg und sammelte mehrere prestigeträchtige Auszeichnungen, darunter den Golden Globe und den Oscar für den besten ausländischen Film.

Wochenende (Jean-Luc Godard-1967)

Von vielen als Godards Meisterwerk betrachtet, Wochenende Es ist ein unwiderstehliches Meisterwerk, das die Verachtung des Filmemachers für eine völlig korrupte Welt wunderschön malt. Gefährlich apokalyptisch, die Show von Wochenende Droht, die Integrität der Filmumgebung selbst zu zerstören.

Godard offenbart: Wochenende Es endete nicht mit einem Skript. Kam aus einem persönlichen Gefühl, einer persönlichen Intuition, wie in Pierrot El Loco . Aber Intuition in Wochenende Ich war näher an der sozialen Situation in Frankreich als in Pierrot El Loco . Es stammt aus einer klaren politischen Analyse und wurde dann zu einem Film.

Fellini Satyricon (Federico Fellini - 1969)

Obwohl Fellini Satyricon Es wird oft als Beispiel für Fellinis Selbstkomplaziz ausgeschlossen. Es ist definitiv einer der faszinierendsten Filme, die der italienische Lehrer jemals gedreht hat. Teilweise basierend auf der homonymen Arbeit von Petronius, Fellini Satyricon Es ist ein brillanter Schnittpunkt von Geschichte und Science -Fiction.

In Ein Interview mit Roger Ebert von 1969 Fellini erklärte, dieses Bild ist eine Reise zurück in die Zeit von Nero, und das bedeutet, dass es eine Reise in eine unbekannte Dimension ist ... zuerst muss ich diese Welt von Nero erfinden. Dann muss ich es aus sehr enger Sicht sehen, so dass es fremd und unbekannt erscheint. Ich untersuche das alte Rom, als wäre es ein Dokumentarfilm über die Bräuche und Gewohnheiten der Marsianer.

Der Film ist so getrennt, dass Sex darin nicht erotisch ist. Jeder sagt, dass Fellini einen schmutzigen Film macht. Aber alles wird abstrakt, getrennt sein. Sex in Satirisch Sie werden wie diese alten indischen Statuen über die Positionen der Liebe sein. Selbst wenn Sie eine Frau sehen, die ein Monster küsst, bedeutet es nichts, weil sie bisher sehr alt ist, von einer anderen Zivilisation.

Verwerfen Sie Ihre Bücher, versammeln Sie sich auf den Straßen (Show Terayama - 1971)

Verwerfen Sie Ihre Bücher, versammeln Sie sich auf den Straßen Es ist ein experimentell experimentelles Meisterwerk des Dichters und japanischen Avant -Gart -Filmmakes Shûji Temayama. Darin führt sieamama eine aufschlussreiche Untersuchung der sozioökonomischen Realitäten durch die faszinierende Linse der künstlerischen Enttäuschung durch.

Die Werke von ihnen wurden nur sporadisch in den USA durchgeführt, insbesondere außerhalb des Broadways. Bei einem dieser Besuche in New York im Jahr 1970 sagte er Die New York Times, Meine Mutter ist aus Tokio gekommen, um mich zu besuchen, und hat all diese strukturierten Fragen gestellt. Sie möchte Informationen, für die ich arbeite und wie viel Geld ich verdiene. Ich kann diese Informationen nicht geben; Ich kann Ihnen nur über Gefühle erzählen.

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Solom. (Carmelo Bene - 1972)

Eine seltsame Anpassung von Oscar Wildes homonymes Werk, Solom. Es ist eine übermäßig psychedelische Vision, die die Unterscheidungen zwischen Vergangenheit und Zukunft verwischt. Die Arbeit von Bene erinnert immer noch die neuen Generationen von Martils, was wirklich filmografische Erfahrung bedeutet.

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Während er in seine Arbeitserfahrungen mit dem Filmemacher Carmelo Bene und seinem unberechenbaren künstlerischen Prozess zurückblickte, überlegte der Fotografiedirektor Mario Masini: Er war ein Vulkan der Ideen und manchmal war es anstrengend, ihm zu folgen ... er musste seinen unvorhersehbaren Bewegungen folgen.

Der heilige Berg (Alejandro Jodorowsky - 1973)

Alejandro Jodorowskys surrealistisches Meisterwerk im Jahr 1973 ist eine allegorische Geschichte, die traditionelle Interpretationen direkt ablehnt. Inspired by the works of John of the Cross and René Daumal, Jodorowsky embarks on a hallucinatory metaphysical exploration of the fundamental nature of our existence.

In an Interview Mit Roger Ebert sagte Jodorowsky: Wenn ich dieses Foto mache, gibt es eine Szene, in der alle Frauen das Grab verlassen und fragen, warum ich das getan habe, was ich getan habe? Und mir muss mir vergeben werden. Nachdem ich fertig war Der heilige Berg Nach sechs Monaten Schuss war ich so wach, dass ich endlich merkte, was ich im Leben tat, wie ich Frauen verletzte. Betroffen mein Gewissen. Dann hörte ich auf, Fotos zu machen. Ich sagte, das ist Illusion. Ich muss mit der Realität arbeiten, mich finden, herausfinden, was ich meine, wie man lebt, wie man eine Familie macht ... um zu leben, weißt du?

Zauberer (William Friedkin - 1977)

Eine neue kompetente Version des Films von 1953 von Clouzot Das Gehalt der Angst (Obwohl Friedkin es bestritt), folgt der Thriller von William Friedkin von 1977 vier marginalisierte und ihren Missgeschicken in Südamerika. Zauberer Zunächst wurde es für Kritiker kritisiert, aber dann haben die Wiederaufnahmen ihr Vermächtnis als wesentlicher Klassiker bewahrt.

Als Friedkin über die Arbeit in seiner Filmographie sprach, mit der er zufriedener war, sagte er: Ich bin sehr zufrieden mit Ausfahrt , Verpflichtungsregeln , Killer Joe , Insekt , Der Exorzist ... würde sagen müssen Zauberer , Und Die französische Verbindung . Diese kommen sofort in den Sinn. UND Lebe und sterbe in Los Angeles. Und es ist nicht so, dass ich sie erreicht habe oder dass ich sie perfekt gemacht habe, aber ich näherte mich meiner Vision in der Ausführung sehr nahe.

Brasilien (Terry Gilliam - 1985)

Die Filminterpretation von Terry Gilliam von einer surrealistischen Dystopie von 1985 ist für die meisten Zuschauer eine unvergessliche Erfahrung. Brasilien Es ist ein Kafkaesca -Albtraum, der in einer futuristischen Welt voller Absurditäten der Bürokratie und des Totalitarismus ist.

Gilliam erläuterte: Es ist wirklich wie ein Gemälde mit einer großartigen Leinwand. Sie fühlen sich dort und wissen, was Sie von Anfang an tun, und während Sie es tun, malen Sie und verändern sich und sind endlich fertig. Er brauchte Jahre, bis der Film endlich geschrieben und dann gemacht wurde, und am Ende unterscheidet sich der Film ganz anders als das, was wir begonnen haben, und es ist jedoch genau der Film, den wir uns vorgenommen haben, was ziemlich seltsam und paradox ist, aber es ist.

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In el globo de plata (Andrzej żuławski - 1988)

Eine interessante Adaption des Romans von 1903 von Jerzy? In el globo de plata Es erzählt die Geschichte einer Gruppe von Astronauten, die hoffen, eine Zivilisation auf einem anderen Planeten zu beginnen, nur um eine schreckliche Regression zu beobachten. Andrzejs transzendentale Erkundungen von Mythski von Mythologie, Wissenschaft und Religion zerstören die Grenzen der menschlichen Vorstellungskraft.

Ich langweile mich so leicht mit dem Kino, gestand den Filmemacher. Es liegt nicht daran, dass ich die Anstrengung, die Leistung, das Schreiben von Skripten oder was auch immer nicht schätze. Aber das meiste davon ist so vorhersehbar, nach fünf Minuten weiß ich genau das Muster, den Fluss, wie es entsteht. Das ist vollkommen in Ordnung, warum nicht?

Ich nehme an, was diese Leute Hysterie nennen, ist, ich nehme an, ich weiß nicht, wie ich es nennt. Und Schauspieler, die eine Hoffnung über das Publikum widerspiegeln. Sie werden sich nicht langweilen. Aber diese klinische Hysterie ist für mich sehr schädlich.