Von Jean-Luc Godard A Akira Kurosawa: Die 25 besten ausländischen Filme aller Zeiten
Sobald die Untertitelbarriere eines Zentimeter hohen Untertitels mit vielen weiteren unglaublichen Filmen präsentiert werden. -Bong Joon-ho
Eine Liste wie diese zu erstellen ist für niemanden eine leichte Aufgabe, da das Erbe des Weltkinos unendlich reich ist und verschiedene Menschen auf viele verschiedene Arten betrifft. Es lohnt sich jedoch auf jeden Fall, einige der einflussreichsten ausländischen Filme aller Zeiten aufzuschreiben, Filme, die uns mit ihrem unbekannten Charme fasziniert haben und die uns dazu gebracht haben, mit ihrer destruktiven Schönheit zu weinen.
Um das Monopol eines bestimmten Filmregisseurs zu vermeiden (ja, Akira Kurosawa, Andrei Tarkovsky und Ingmar Bergman. Sie werden sehen, dass das Meisterwerk viel geworfen wird, weil jede dieser 25 Einträge unsere ungeteilte Aufmerksamkeit verdient, so dass seine unwiderstehliche Kraft ist.
Um unsere Arbeit noch schwieriger zu machen, enthält die Sammlung einen anderen Filmemacher für jede Wahl. Hier ist eine Liste der 25 besten ausländischen Filme aller Zeiten:
Top 25 ausländische Filme aller Zeiten:
25. Der diskrete Charme der Bourgeoisie (Luis Buñuel - 1972)
Berühmt dafür, was möglicherweise der beste Kurzfilm aller Zeiten ist, Ein andalusischer Hund (1929) führt Luis Buñuel in seinem Film von 1972 eine meisterhafte und surreale Untersuchung der normativen Praktiken der Gesellschaft durch. Der diskrete Charme der Bourgeoisie . Der Film geht wunderbar zwischen lustigen sozialen Satire und symbolischem Horror des Albtraums. Folgen Sie einer Gruppe bürgerlicher Freunde, die versuchen, ein luxuriöses Abendessen zu haben, aber ständig von seltsamen Ereignissen unterbrochen werden.
Buñuel entlarvt die Heuchelei des dekadenten Luxus und die faulen Ideale auf wirklich surreale Weise. Der Film erhielt 1972 den Oscar für den besten ausländischen Film und bleibt eines der besten surrealen und komischen Meisterwerke in der Geschichte des Kinos.
24. Turins Pferd (Béla Tarr - 2011)
Worüber sprechen wir, wenn wir über Sprache sprechen? Beziehen wir uns auf Wörter, Gesten? In Turins Pferd Der ungarische Filmemacher Béla Tarr beseitigt all diese Signale im Wasserfall und schafft eine verzweifelte Sprache, die größtenteils still und dennoch tief ist. Die Handlung konzentriert sich auf einen Landwirt und seine Tochter, die mitten im Nirgendwo leben.
Tarr bietet uns eine unerbittliche Vision einer verlassenen Landschaft, in der das Leben selbst in nichts auflöst. Turins Pferd Es ist eine minimalistische Neuinterpresation der Hölle auf Erden und in seinem Pessimismus unendlich schön.
23. Der Langtainer (Jean Vigo - 1934)
Jean Vigos charmante und launische Romanze präsentiert eine naive junge Frau, die dem Boot ihres Mannes (einem Barcaza -Kapitän) entgeht, um Paris alleine zu erkunden. Er ist traurig und lustig, aber vor allem konzentriert sich Vigo auf den Menschen. Der Film von 1934 untersucht, was es bedeutet, im schwindelerregenden Mangel an Vertrautheit der modernen Welt zu lieben.
Das ist sicher zu sagen Der Langtainer Es hat mehrere Generationen von Filmemachern beeinflusst, aber nur sehr wenige konnten dieses unschuldige Wunder nachbauen. Vigos Vision ist witzig und wunderbar originell.
22. M (Fritz Lang - 1931)
Der Meister der Dunkelheit des British Film Institute, der Meister der Dunkelheit bezeichnet, M Er ist der berühmte deutsche Filmemacher Fritz Lang, das störende Drama des Arthouse Crime. Im Film von 1931 baut Lang ein zutiefst beunruhigendes Labyrinth korrupter Moral auf, in denen Binär des Rechts und Unrecht nur sehr wenig bedeutet. Fritz Lang, sehr beeinflusst von deutscher Expressionismus, verwendet eine Kultivierung von Lichtern und Schatten, um eine Filmatmosphäre zu schaffen.
Obwohl seit der Veröffentlichung des Films fast 90 Jahre vergangen sind, M Es ist immer noch ein überzeugendes Melodrama, das nie aufhört, als etwas weniger Auffälliges zu erscheinen. Dies war der Film, der die amerikanische Öffentlichkeit den Werken des deutschen Lehrers aussetzte und seinen Status als einen der besten Filmemacher festigte.
21. Fahrraddiebe (Vittorio de Sica - 1948)
Möglicherweise das beste italienische neoamerikanische Drama, Fahrraddiebe Es ist ein mächtiges und sentimentales Porträt des Post-WW-II Italiens. In einer wirtschaftlichen Depression versucht eine Familie, auch dann optimistisch zu bleiben, wenn Armut und Arbeitslosigkeit. Das Erbe der größten Arbeit von Vittorio de Sica ist monumental und sein Einfluss kann in unzähligen Filmen zu sehen sein.
Er wurde von Kritikern weit verbreitet und gefeiert und gewann sieben Jahre vor dieser Kategorie den Oscar für den herausragendsten ausländischen Film. Fahrraddiebe Es ist ein Film, der niemals von einer Diskussion über die besten Filme aller Zeiten ausgeschlossen werden kann.
20. Aufzucht (Jacques Tati - 1967)
In Aufzucht Jacques Tati erstellt ein subversives und heftiges Original -Paris, voller Metall -Wolkenkratzer und reflektierender Oberflächen. Tatis Comedy von 1967 ist eine launische Erforschung der Enttäuschung des modernen Mannes, der in einem städtischen Dschungel gefangen ist. Komplexe, aber verspielte Tati schafft es meisterhaft, einen modernistischen Albtraum lustig aussehen zu lassen.
Ein helles Sounddesign funktioniert synchron mit den beeindruckenden Bildern in diesem filmischen Meisterwerk. Tatis einzigartige ästhetische Vision sollte eine Warnung sein, aber wir haben es nie geschafft, den ästhetischen Teil zu bestehen.
19. Aguirre, der Zorn Gottes (Werner Herzog - 1972)
Filme im Amazon -Dschungel mit einem sehr niedrigen Budget, El episches historisches Drama von Werner Herzog Es ist eines der bestimmenden Werke des neuen deutschen Kinos. Auf der Grundlage von El Dorados Mythos startet Herzog eine starke Untersuchung von Gier und Verlangen. Der Film beseitigt die Komplexität der Machtverhältnisse und verlässt nur die störenden Ängste dessen, was es bedeutet, menschlich zu sein.
Klaus Kinski präsentiert die Leistung seines Lebens als Aguirre, der Faustianer Eroberer, der verrückt nach der sengenden Hitze des Ehrgeizes ist. Das Erbe des Films ist so, dass es immer in Listen erscheint, in denen bedeutende Filmwerke vorgestellt werden. Der Film wurde klassifiziert
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18. Pather Panchali (Satyajit Ray - 1955)
Ohne Zweifel, der beste indische Filmemacher, war dies das Debüt -Feature von Satyajit Ray. Es ist eine überwältigend emotionale Geschichte der Familie bengalischer Familie in den Bengali nach der Teilung. Obwohl es anscheinend von dem italienischen Neorealismus inspiriert war, ist Rays Stimme absolut seine. Der erste seiner berühmten Trilogía -Apu ist reich an schönen Bildern und einer verheerenden kinematografischen Note.
Ray stellt die Unschuld der Kindheit mit einer Landschaft gegenüber, deren kulturelles Gedächtnis Gewalt ist. Pather Panchali Es ist ein unvergesslicher und unverzichtbarer Teil der Geschichte des Kinos.
17. Die 400 Schläge (François Truffaut - 1959)
Dieser Film markierte die Entstehung des legendären filmischen Charakters von Truffaut, Antoine Doinel. Die 400 Schläge Er war verantwortlich für die blühende französische neue Welle, eine schöne Erforschung einer Kindheit, die von defekten Modellen und Verbrechen beeinflusst wurde. Es ist eine Geschichte eines unerwünschten Kindes, das durch die Risse des Systems gleitet, sich aber immer noch an Hoffnung festhält.
Truffauts überraschendes Meisterwerk wird weiterhin für die Ewigkeit relevant sein, da das Konzept der missverstandenen jungen Menschen bis zu Generationen allgegenwärtig ist. Die 400 Schläge Es ist eine unerschütterliche Suche nach Freiheit, die sich seit Jahren für die Öffentlichkeit bewegt und sich für die Öffentlichkeit erfreut hat und dies noch viele Jahre lang tun wird.
16. Die große Illusion (Jean Renoir - 1937)
Als einer der schönsten Filme gegen den Krieg aller Zeiten ist das Werk von Renoir im Jahr 1937 eine mächtige Klage, die auf den Tod der europäischen Aristokratie abzielt. Gekonnisch unvergessliche Bilder des Zerfalls aufrufen, Die große Illusion Es ist eine tragikomische Exposition über die Nutzlosigkeit eines umfangreichen Krieges. Die humanistische Vision der Erneuerung des Ersten Weltkriegs stört und bewegt sich gleichzeitig.
Obwohl die gefeierten Filmemacher wie Orson Welles und David Lean den Film als einen ihrer zehn besten Filme aller Zeiten zitierten, ist es interessant zu beobachten, wie faschistische politische Führer das Meisterwerk von Renoir als Bedrohung für das öffentliche Bewusstsein sahen. Hitlers Propaganda -Minister Joseph Goebbels beschrieb den Film als öffentlicher filmischer Feind Nr. 1.
15. Drei Farben: Blau (Krzysztof Kieślowski - 1993)
Die beste Arbeit des polnischen Filmemachers bei Kritikern, Drei Farben: Blau ist das Beste der Drei Farben Trilogie und folgen Sie der existenziellen Bewertung des Lebens einer Frau, nachdem sie ihren Ehemann und Sohn bei einem Autounfall verloren hatte. Juliette Binoche ist spektakulär wie die Protagonistin und versucht, ihr Trauma zu schütteln, der nach einer neuen Identität sucht, kann aber dem Erbe ihres Verlustes nicht entkommen.
Diese Idee der Ablehnung teilt ständig die Erzählung sowie die Filmstruktur, da Kieślowski während einer Szene lange Stromausfälle übergeben wird, um die Realität wieder einzubeziehen, als ob die Nutzlosigkeit der Verleugnung hervorgehoben worden wäre. Kieślowskis große These ist, dass Traurigkeit immer den Ausgang findet, egal wie viel Sie versuchen, ihn erneut auszudrücken.
14. Hiroshima, Mon Amour (Alain Resnais - 1959)
Dieses Meisterwerk von 1959 ist eines der besten Beispiele für neue Historike, eine Denkschule, die eine eindimensionale Vision historischer Ereignisse ablehnt und noch mehr eindringen will. Die Eröffnungssequenz des Films ist störend, eine komplexe Vision der Fortsetzungen von Hiroshima -Bombenanschlägen, die in Form eines Kissengesprächs erforscht sind, dass zwei Liebhaber geliefert werden. Alain Resnais überprüft radikal, was es bedeutet, traumatische Ereignisse zu besuchen.
Globale und persönliche Tragödien sind in einem komplizierten narrativen Thread miteinander verflochten, der in Hiroshima Subjektivität gewinnt, einem Ort, an dem die Erinnerung an Gewalt in jedem Stein aufgezeichnet wird. Der RESNAIS -Film ist ein wunderschöner Akt des Erinnerns und Vergessens gleichzeitig.
13. Eng (Abbas Kiarostami - 1990)
Es könnte gesagt werden, dass der beste Filmemacher der neuen iranischen Welle, Abbas Kiarostami, die Unterscheidungen zwischen Fiktion und Nicht -Fiktion, zwischen Fantasie und Realität in seinem postmodernen Dokudrama meisterhaft verwischte. Eng . Kiaorostami untersucht die performative Rollen, die wir alle mit der Präzision eines Chirurgen und der empfindlichen Berührung eines Dichters spielen.
Basierend auf wahren Ereignissen betont Kiarostami den Teil der Schaffung einer Rekonstruktion, die die tragische Geschichte eines aufstrebenden arbeitslosen Filmemachers, Hossein Sabzian, präsentiert. Eng Es ist eine schöne, aber störende kinematografische Psychoanalyse eines einfachen Mannes.
12. Ein Mann entkam (Robert Bresson - 1956)
Bressons Meisterwerk von 1956 basiert auf den Memoiren von André Devigny, einem französischen Widerstandskämpfer, der seine Flucht plant, nachdem er von den Nazis gefangen genommen wurde. Mit einer irreführend einfachen Verschwörung schafft es Robert Bresson, den Verlust von Freiheit und existenzieller Verzweiflung auf völlig sentimentale Weise darzustellen. Ein Mann entkam Es ist ein emotionaler und intellektueller Ausflug zur Psyche eines Gefangenen.
Die faszinierende Kinematographie von Léonce-Henri Burel und ein makelloses Sounddesign arbeiten zusammen, um gleichzeitig ein materialistisches und metaphysisches Kunstwerk zu schaffen. Ein Mann entkam Es präsentiert ein starkes Argument dafür, warum es der beste Zusammenbruchfilm im Gefängnis aller Zeiten ist.
11. Sansho der Sheriff (Kenji Mizuguchi - 1954)
Im feudalen Japan des elften Jahrhunderts folgt es dem Zerfall einer Familie, nachdem der Vater von einem feudalen Mann verbannt wurde. In einem herzzerreißenden Ereignis machten sich die Mutter und die beiden Kinder auf den Weg nach dem Vater, werden aber entführt und verkauft, die Mutter als Prostituierte und die Kinder als Sklaven. Mizoguchi ist in seiner Klage über den menschlichen Zustand unerbittlich.
Sansho der Sheriff’s Schönheit ist unvergleichlich. Kenji Mizoguchi untersucht den Geist der brutalen Ära und konzentriert sich auf das Pathos einer persönlichen Tragödie. Die Komplexität der Handlung wird einfache Bilder los und das Ergebnis ist eines der mächtigsten Filmwerke.
10. Komm (Elem Klimov - 1985)
Der düstere Film gegen den Krieg des sowjetischen Filmemachers Elem Klimov ist eine rücksichtslose Darstellung der Fähigkeit der Menschheit für das Darery Evil. Wir erleben die Schrecken des Krieges durch den jugendlichen Protagonisten Alexei Kravchenko in einer Landschaft, die einem Nazi -Einfall und einem Völkermord unterzogen wurde. Komm Er besteht darauf, dass die individuelle Würde, obwohl der Krieg das bedeutet, für immer menschlich zu sein, niemand wegnehmen kann.
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Es ist eine überzeugende Geschichte, gegen Wind und Flut zu überleben, obwohl eine ganze Zivilisation um uns um uns herum Chaos wird. Viszeral und bewegend, Komm Es ist ein Albtraum, aber notwendig, eine Erinnerung, sich von unseren früheren Fehlern fernzuhalten.
9. Abenteuer (Michelangelo Antonioni - 1960)
Ein spektakuläres mysteriöses Drama von Arthouse, Abenteuer Er hat eine junge Frau, die plötzlich auf einer Yachtreise zu einer abgelegenen Vulkaninsel im Mittelmeer verschwindet. Sein selbstloser Liebhaber und sein bester Freund machten sich auf den Weg, sie zu finden, genießen aber eine illegale Angelegenheit. Antonionis faszinierende Filmsprache malt existentielle Ennui und den Schwächungsverlust in der modernen Welt.
Der Film bleibt den künstlerischen Ideologien der postmodernen Kunst treu und ist nie wirklich gelöst und die Motivationen der Charaktere sind nie wirklich klar. Antonionis Meisterwerk von 1960 ist die Manifestation der einzigartigen und besorgten Filmvision eines Genies.
8. 8 ½ (Federico Fellini - 1963)
Einer der besten Filme in der Geschichte des Weltkinos, Fellinis Kinos Fähigkeiten Es hat das Gefühl einer komplexen Farbe mit mehreren Schichten und einer wunderbaren Vielzahl von Interpretationen. 8 ½ Es ist vielleicht das berühmteste Beispiel eines Films über Film. Fellini baut ein großes Skelett dessen, was ein Film sein soll, und dekonstruiert ihn gleichzeitig. Fellinis Meisterwerk von 1963 ist eine visuell beeindruckende und intellektuell attraktive Reise.
8 ½ Es ist eine wegweisende kinematografische Arbeit, die unzählige andere Filme wie Woody Allen's inspiriert hat Stardust -Erinnerungen (1980) y Charlie Kaufman Synecdoche, New York (2008). Er gewann zwei Academy Awards für den besten Fremdsprachenfilm und das beste Kostümdesign (Schwarzweiß) und erhielt andere Nominierungen für den besten Regisseur, das beste Original -Drehbuch und die beste Kunstrichtung (in Schwarz und Weiß). Der New Yorker Film Critics Circle wurde ebenfalls ernannt 8 ½ Der beste Film in der Fremdsprache.
7. Das siebte Siegel (Ingmar Bergman - 1957)
Der Höhepunkt aller philosophischen Schlachten, die Bergman in seinen Filmen kämpfte, Das siebte Siegel Es ist sein bester Film, der allegorisch die Gewalt und den Kampf des modernen Lebens durch ein Schachspiel zwischen einem enttäuschten Gentleman und der Figur des Todes darstellt. Bergman malt ein unerbittliches Bild einer Landschaft ohne Gott mit dem einzigen wahren Lehrer, der der Tod ist.
Fragen zu Leben, Tod und allem anderen stellen, Das siebte Siegel Es ist eines der denkwürdigsten Werke in der Geschichte des Weltkinos. Er hat seinen Platz in der Filmtradition unter den besten Filmen aller Zeiten mit seinen verstörenden Bildern und seinen hervorragenden Erzähltechniken festigt.
6. In The Mood For Love (Wong Kar-wai-2000)
Ohne Zweifel schafft einer der besten Filme von Hongkongs New Wave im Kino, wong Kar-wai einen Film mit reservierter und majestätischer Schönheit, der in romantischer Melancholie ertrinkt. In der moralisch konservativen Gesellschaft von 1962 Hongkong geht der Film um die emotionale Intimität, die zwei Nachbarn teilen, nachdem sie entdeckt haben, dass ihre Ehepartner sie miteinander täuschen, aber nicht handeln können, was von den performativen Anforderungen der Gesellschaft gelähmt ist.
Wong Kar-Wai hinterlässt uns eine Geschichte, die keine Lösung hat und sich aufgrund der Abwesenheit von einer bemerkenswert bewegt. Sein exquisites Talent im Büro des Kinos scheint in jeder Szene, da wir vom malerischen zum Erhabenen transportiert werden.
5. Keuchend (Jean-Luc Godard-1960)
Jean-Luc Godard ist immer noch einer der polarisierendsten Regisseure aller Zeiten. Sie lieben seine Arbeit oder hassen ihn. Es gibt keine Zwischenprodukte. Wie auch immer, Sie können den Einfluss Ihres Debüt -Spielfilms nicht ignorieren. Keuchend . Godards Verachtung und Verachtung für die klassischen Kinokonventionen wurden in seinem Meisterwerk von 1960 bekannt gegeben und den Weg für den Weg für die durchsucht Neue französische Welle .
Selbstreflexiv und bestrebt, ihren eigenen Mythos zu dekonstruieren, Keuchend Es ist einer der einzigartigsten Filme des World Cinema Corpus. Die Filmvorzüge des Films können stundenlang diskutiert werden, aber was nicht geleugnet werden kann, ist Godards heftig original künstlerische Vision und die respektlose Gleichgültigkeit, mit der er das Filmmedium verwandelte.
4. Yi yi (Edward Yang - 2000)
Yi yi (Bedeutung und eins und zwei) ist das beste Werk von Edward Yang, einem der wichtigsten Filmemacher der neuen taiwanesischen Welle. Der Film ist ein liebenswürdiges Drama zwischen den Generationen über die persönlichen Turbulenzen einer Familie. Jeder Familienmitglieder hat seine eigenen Kämpfe, um zusammen mit ihnen die verwirrenden Labyrinthe des Lebens zu kämpfen und zu navigieren. Anstelle von Kartonfiguren führt Edward Yang unsere Hände und macht uns auf das Vorhandensein von Fleisch und Blut aufmerksam, verletzlich, aber resistent.
Die einzigartigste Präsenz im Film ist der Charakter eines Kindes, Yang-Yang, der zutiefst besorgt darüber ist, dass die Menschen die Rückseite ihrer eigenen Köpfe nicht sehen können. Dann klickt er auf die Köpfe der Köpfe der Menschen für sie. In einer mächtigen letzten Szene verspricht er seiner verstorbenen Großmutter, die weiterhin Geschichten erzählen wird, die die Menschen nicht kennen und ihnen Dinge zeigen, die sie nicht gesehen haben. Yang-Yang ist der überzeugendste Verteidiger der Avantgarde, das das Kino produziert hat.
3. Du bist Samurai (Akira Kurosawa - 1954)
Kurosawas epische Geschichte in Japan des 16. Jahrhunderts ist eine dreistündige Reise in die Welt von Samurai. Es ist ein Konflikt zwischen dem konservativen und starren Ehrenkodex der besten Krieger des mittelalterlichen Japans und der Illegalität der Banditen, moralisch verdorbener und parasitärer Natur. Die sieben Samurai im Film sind die letzte Verteidigungslinie gegen die unvermeidliche Korruption der sozialen Ordnung.
Kurosawa übersetzt die Noh Theatre -Konventionen meisterhaft in ein postmodernes Medium: Kino. Die Existenz des Films selbst wird zu einem Ort des Konflikts, der versucht zu porträtieren, ein angespannter umstrittener Raum, in dem zwei unversöhnliche Ideale untergebracht sind.
2. Tokyo Geschichte (Yasujirō Ozu - 1953)
Das zeitlose Meisterwerk von Ozu untersucht die Enttäuschungen und Frustrationen von Post -Kriegs -Japan durch die Geschichte eines älteren Ehepaars, das ihre verheirateten Kinder besuchen wird, aber feststellen, dass ihre Kinder nicht viel Zeit für sie haben. In einer Stadt, die ständig geschäftig ist, präsentiert Ozu eine Geschichte von tiefen Schönheit und Duell. Das Publikum bleibt ohne Worte für die ruhige und verheerende Kraft von Tokyo Geschichte .
Der Film von 1953 ist auch berühmt für den unverwechselbaren Kamera -Stil von Ozu, oft als Tatami Shot bezeichnet. Der Mangel an Bewegung der Kamera fügt eine sehr notwendige Stabilität aufgrund der extrem volatilen und dynamischen Natur der Stadt hinzu, in der sie gedreht wird. Der Film erschien der amerikanischen Öffentlichkeit erst 1972, wonach er allgemein anerkannt wurde und zu Recht.
1. Stalker (Andrei Tarkovsky - 1979)
Stalker Es ist der beste Andrei Tarkovsky -Film, einer der besten Filmemacher in der Geschichte des Kinos. Nur diese Aussage reicht aus, um einen Platz in einer Liste zu verdienen, wird jedoch dem Kino nicht gerecht. Tarkovsky baut eine meditative Erfahrung auf, die heftig in Richtung Wahrheit steckt, aber nur eine Klaue in einem Vakuum, ein aufschlussreicher Inzision, dessen leerer Dialektik entwässert wird. Obwohl es als Outdoor -Expedition strukturiert ist, um eine Heterotopie zu erreichen, die verspricht, unsere tiefsten und dunklen Wünsche zu ermöglichen, ist es Stalker Machen Sie eine gleichzeitige Reise zu den psychologischen Nischen, die wir versteckt haben.
Tarkovsky berichtete über die Rücksichtslosigkeit des Science -Fiction -Genres mit einer reichen Atmosphäre der philosophischen Reife. Stalker’s Das selbstdestruktive Wunsch droht, alle unsere vorgefassten Vorstellungen zu zerstören, hört aber mit der eleganten Beschränkung der poetischen Gesamtheit auf. Die Kamera von Tarkovsky gleitet über das radioaktive Moor und bohrt langsam einige der Geheimnisse des Universums.
