Wie Sofia Coppola das unabhängige Drama neu definiert hat

Im Sommer 2003, nur 13 Jahre nachdem Regisseurin Francis Ford Coppola seine Arie des menschlichen Leidens mit dem leidenschaftlichen Leiden abgeschlossen hatte Der Pate Teil III , Seine Tochter Sofia markierte Opulence und Opera erneut, um eine stärkere Form des Filmerlebnisses zu schaffen. Sofia Coppola brachte eine diskrete und ausgewogenere Perspektive in den von Männern dominierten Sand und schuf eine weichere und elegische Arbeit, in der die Zuschauer verführt werden konnten.

Seine Rechtfertigung war einfach: Er wollte die Zuschauer mit dem gleichen Berührung und dem gleichen Respekt für die von ihrem Publikum angebotenen männlichen Regisseuren behandeln. Ich habe das Gefühl, dass ich eine weibliche Sichtweise habe und ich freue mich, das zu veröffentlichen. Wir haben sicherlich genug Männer, sagte er. Ich hatte nie das Gefühl, dass ich in die Mehrheitsansicht passen musste. Vielleicht bedeutete es, mit so vielen starken Männern um mich herum zu wachsen, dass ich mich nicht weiß, eng mit dem weiblichen zu sein. Ich meine, in meinem ersten Film wollte ich etwas für Teenager tun. Ich habe mir die Filme angesehen, die sie für Teenager gemacht haben, und dachten: Warum können sie kein schönes Foto haben? Warum sollten wir dieses Publikum nicht mit Respekt behandeln? Das war etwas, das ich verloren habe, als ich dieses Alter hatte: Ich wollte, dass die Filme nicht so herablassend sind. Ich glaube, ich habe die Filme immer gemacht, die ich gerne gesehen hätte.

In der Übersetzung verloren Es war das erste Mal, dass Sofia sowohl auf Männer als auch auf Frauen zeigte, aber der Film kümmert sich nicht um ein Genre auf Kosten des anderen. Auf der anderen Seite ist es ein Film über die tiefe Einsamkeit: ein Film, der für Bill Murray -Fans, das heißt, und trauriger als die Öffentlichkeit der Hauptdramen, die im frühen Jahrtausend verwendet wurden.

Erkundung des Ortes von Sofia Coppola im Erbe des Kinos

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Nach den turbogeladenen Filmen der neunziger Jahre kommen, In der Übersetzung verloren Es war sowohl ein Schock für die Öffentlichkeit als auch für die zentralen Charaktere, die der breiten Öffentlichkeit ihre internen Wünsche und Gedanken nicht mitzuteilen konnten. Mit dem Gewicht einer verletzlichen Interpretation von Murray, ohne Scarlett Johannson in seinem früheren Ruhm für die Marke zu vergessen, veränderte sich die Branche ausnahmslos zu seiner Stimme: ein düsterer und ernsthafterer Blick auf die Beziehungen zu den Grundteilen der Pather -Serie.

In der Tat, In der Übersetzung verloren Es verkörpert die Angst, dass die meisten Paare auf einem anderen Kontinent spüren, insbesondere in einem, der ihre Sprache nicht spricht. Murray verkörpert den bescheidenen und einsamen Reisenden inmitten persönlicher Angst und sucht nach einem Land oder einer Person, die Vergebung anbietet.

Sogar 19 Jahre später hat die Aufführung ein enormes Pathos, insbesondere nach einer zweijährigen Pandemie, die die Bürger in ihren Häusern einsperrte, weit entfernt vom Komfort ihrer Freunde und Kollegen. Einsamkeit während der Pandemie führte viele dazu, an ihrer Erlösung in den Ländern zu zweifeln, die sie dienen und schützen sollten. In der Übersetzung verloren Es zeigt das anhaltende Gefühl der Fragilität in der Welt und verkörpert einen bestimmten Fatalismus, der dem Publikum hält, viel nach dem Schuss der Credits.

Aber trotz aller Dunkelheit und langen Sensibilität, In der Übersetzung verloren Es ist nicht völlig frei von den Fallen der Größe. Der Film ist voller üppiger Textur und heilt eine Sicht auf Tokio, die die Romantik, Strenge und Vorschriften, die die Stadt im Alltag in der Stadt zeigt, demonstriert.

Sofia Coppola kann nicht anders, als die Kamera zusammen mit den Fahrzeugen laufen zu lassen, und ruft die Dringlichkeit des Gebiets an, und einige der Schüsse erfassen die Pracht, die ihr Vater Italien vorbehalten hatte und befürchtete, dass die Gesellschaft schnell ablehnt.

Aber der Film konzentriert sich hauptsächlich auf das endlose Gefühl der Einsamkeit, da Touristen erkennen, dass sie ihre Unterschiede beiseite legen müssen, um eine Art von Verbindung zu erhalten. Und im Gegensatz zu den Filmen seines Vaters beschließt Sofia Coppola, den Film mit einer beobachtbaren Länge zu halten, da der Film nach 102 Minuten lang schließt.

Es gibt keine üppige Hochzeit, über die man sprechen kann, und es gibt auch keine dynamische Montage, die seinen Hauptcharakter in der Richtung besiegelt, in der ein Leben lang gekämpft hatte. Stattdessen bekommen wir eine Poesie eines zeitgenössischen Mannes. Die herrlichen Fähigkeiten des Kinos sind geringer, zeigen jedoch, was unabhängige Regisseure erreichen können, vorausgesetzt, der Künstler und das Drehbuch sind in perfekter Zeit.

Narrative Rhythmen haben emotionale Eigenschaften, im Gegensatz zu stilistisch, da die Linien leuchten, anstatt zu füllen. Und auf seine Weise ist der Film der Reise der Figur genauso bewusst wie sein Vater zu Michael Corleone in ging Der Pate Teil II . Er zeigte, dass es im Coppola -Clan zwei brillante Regisseure gab: Einer konnte ein Epos erzeugen, das der Änderung von Ton und Textur widerstehen konnte, und der andere konnte zeigen, dass der Ruhestand und der müde Prozess Macht haben.

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