Agnès Varda - Cleo von 5 bis
Am Ende der 1950er Jahre erzeugte der Wunsch, das Kino zu revitalisieren und die durchschnittlichen Grenzen für neue zu überschreiten, eine Bewegung, die das Kino für immer verändern würde: die neue französische Welle. Die männlichen Direktoren wie Jean-Luc Godard, Francois Truffaut und Claude Chabrol dominierten die Zeit und porträtierten eine ziemlich androzentrische Vision der Welt. Agnès Vard Cleo de 5 bis 7.
Der 1962 veröffentlichte Film ist ein Meilenstein des feministischen Kinos und eine der endgültigen Veröffentlichungen der neuen französischen Welle. Folgen Sie einem Sänger namens Cleo (Corrine Marchand) zwischen fünf und sieben nachts, während er ängstlich auf die Ergebnisse eines Tests wartet, der feststellt, ob er Krebs hat. Der Film beginnt mit einer Tarot -Kartensequenz, das Varda -Objektiv konzentriert sich auf die Karten, bevor sie Cleos Gesicht enthüllt. Wenn der Tarot -Leser besorgniserregende Karten zeichnet, wird der klare Filmbestand schwarz und weiß, was auf Cleos Ängste hinweist, indem er die Farbe seines Lebens buchstäblich beseitigt.
Während Cleo die Treppe klettert und seine flüchtige Sterblichkeit nimmt, verwendet Varda gekonnt POV -Schüsse, um seine Instabilität zu betonen und sich auf die Wände zu konzentrieren, die brechen, und die Erweiterung von außen durch ein nahe gelegenes Fenster. Varda wiederholt sogar ein knappes Gesicht von Cleo mehrmals, um den Betrachter zu verwirren, bevor er es in einem Spiegel umrahmt. Reflexionen werden vom ersten Moment zu einem bedeutenden Grund, was auf die Sorge des Charakters um Schönheit hinweist. Sie erzählt sich, erfüllt, schöner Schmetterling. Hässlichkeit ist eine Art Tod. Obwohl es schön ist, bin ich lebendiger als andere.
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Anstatt Cleos Narzissmus mit dem Prozess zu formulieren, ermöglicht es ihm Varda, eine zentrale Rolle in seinem Charakter zu spielen, mit einem Barometer, mit dem seine Fortschritte im Laufe der Nacht beurteilt werden können. Es bedeutet seine Abhängigkeit von Schönheit und äußerem Erscheinungsbild als Schlüssel zum Überleben als Frau in einer patriarchalischen Welt, und ihre Besatzung als Sängerin spiegelt ihre Abhängigkeit von der Handlung in allen Facetten ihres Lebens wider. Die Idee, dass das Genre gemacht wird und von Theoretikern wie Judith Butler verteidigt wird, wird durch Cleos Besessenheit erforscht, weiblich und schön auszusehen. Durch Cleo, Varda kommentiert die Forderungen, die Frauen auferlegt werden Einbeziehung bestimmter patriarchalischer sozialer Normen, die anstrengend werden, um kontinuierlich auszuführen. Männer schauen Cleo häufig an oder rahmen es gleichzeitig aus mehr als einem Winkel, was die Idee hervorhebt, dass Frauen ständig befragt werden.
Es ist nicht nur als narzisstisch umrahmt, sondern auch kindisch und verwöhnt mit seiner Assistentin Angele, die sie als mein kleines Mädchen bezieht. Nach einer dramatischen Interpretation von ohne TOI zu Hause mit einem opulenten schwammigen weißen Mantel ändert sich alles für Cleo. Eine einzelne Tränen rollt auf ihrer Wange, während sie singt, Schönheit/ nackt in der Kälte des Winters/ nur eines sehnsüchtigen Körpers/ ohne dich. Varda nähert sich langsam, um Cleo von einem völlig schwarzen Kulisse umrahmt zu machen, und betont die Bedeutung dieses aufschlussreichen Moments. Von hier aus beschließt er, auf die Straße zu gehen und durch Paris zu wandern, aber ohne die Hilfe von Angele oder seiner Perücke. Stattdessen bekommt sie ein intelligentes schwarzes Kleid, als würde sie bereits um ihren möglichen Tod und ihre Köpfe trauern.
Im Laufe der nächsten Stunde füllt Varda den Film mit einer unglaublichen Menge an Symbolik aus jeder Ecke des Bildschirms. Seine Fähigkeit, einen entfernten Taxi -Radius zu verwenden, um Kommentare zum Algerienkrieg oder eine afrikanische Maske in einem Fenster eines Geschäfts hinzuzufügen, um den Kolonialismus zu verbinden und Cleos Besorgnis über die Leistung und Arbeit von Maske widerzuspiegeln, weist auf die Stärke von Vardas Filmfähigkeiten hin. Während Cleo ziellos wandert, trifft er einen Freund und sieht einen Kurzfilm, steht langsam vor der Komplexität des Alltags und findet Substanz jenseits von Schönheit und Leistung. Ihre Ängste, die den potenziellen Rückgang seiner Schönheit umgeben, nehmen ab, wenn sie seine Sterblichkeit akzeptiert, und spiegelt sich in dem letzten Bild wider, das wir von einem Spiegel von einem zerbrochenen Spiegel sehen. Cleos Auge ist in einem der Fragmente gerahmt, wie sie sagt, ein Omen des Todes. Er beschließt jedoch schließlich, die Teile nicht zu sammeln und sie auf dem Boden fragmentiert zu lassen.
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Während Cleo ein wenig mehr wandert, trifft er auf einen sensiblen Soldaten, Antoine, und verbindet sich sofort mit ihm und findet in Gesellschaft eines anderen Komforts. Das Paar diskutiert Tod und Krieg, und Cleo enthüllt, dass ihr richtiger Name Florenz ist, bevor Antoine sie begleitet, um die Ergebnisse ihrer Beweise zu erhalten. In the end, the doctor drives Cleo casually and tells him that he will need to have two months of chemotherapy, but he should be fine. Only in this way, Cleo's anxieties are confirmed, but did not start crying or act. Instead, she smiles at Antoine and says: I have the feeling that my fear is gone. I have the feeling that I am happy.
Cleo findet Glück, indem er die starre Leistungsakte ausschließt, die davon erwartet werden. Varda schlägt vor, dass das Leben für Frauen viel befreiender wäre, wenn sie sich nicht an die von Männern festgelegten Erwartungen halten müssten. Damit beruht sein Glück aus der Akzeptanz des Mangels am Leben, aber aus der Freude, die in den Einfachheiten eines jeden Tages zu finden ist, wie zum Beispiel einen Freund zu besuchen oder ihn mit einem Fremden zu schlagen und möglicherweise Liebe zu finden. Am Ende des Films ist Cleo nicht mehr die narzisstische und besessene Frau, die wir am Anfang kennen: Sie ist Florenz. Der Film zieht seine Selbstakzeptanz- und Entdeckungsreise und befreit ihn schließlich für seine Diagnose. Es ermöglicht Ihnen, Ihre Aufmerksamkeit auf die Oberflächlichkeit des Lebens zu lenken, in denen es so sehr abhängig war.
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Varda verleiht ein düsteres Thema mit Hoffnung und Optimismus, während er relevante soziale Themen der Zeit kommentiert, von den Erwartungen von Frauen bis hin zu dem laufenden algerischen Krieg und dem französischen Kolonialismus. Seine reichhaltige visuelle Sprache und ihre Verwendung als narrative Struktur haben seit Jahrzehnten Filmemacher inspiriert und C Hale S 5 bis 7 Es ist immer noch einer der besten Filme über die Erwartungen der Weiblichkeit.
