Die 10 besten Alben der 1970er Jahre in New York

La Obra Maestra de 1976 de Martin Scorsese Taxifahrer Er sagt es besser. In dem gruseligen Thriller sind die Straßen von Manhattan in tausend schlechte Säure -Reisen des vergangenen Jahrzehnts zur post -lapsingenden Albtraumprognose gekommen. Die technologische Lösung für eine Gesellschaft, die die versprochene Nachkriegs -Fortschritte versprach, wurde in nichts als in der Expansion von Beton, der Entstehung brutalistischer Architektur und einem chronischen Mangel an Deodorant verschluckt. Ohne einen Lebensring, der von den Macht- oder Bekanntheitsgründen ausgestellt wurde und die sich mehr mit Drohungen aus der Ferne als mit dem Beginn der inneren Zersetzung befassten, sinken die Bewohner der Stadt in den Ärger von Verbrechen und Bestrafung.

Kunst gedieh wie Unkraut in den Rissen der Gesellschaft. Wie Richard Hell hat der Punk -Pionier und der Adoptivbürger des Big Apple einmal gesagt: Die Dinge ändern sich immer, und New York lehrt Sie das. Ich veränderte mich schneller als in den 1970er Jahren und nicht immer zum Besseren. Zwischen 1969 und 1974 verlor die Stadt 500.000 Arbeitsplätze im verarbeitenden Gewerbe. Anschließend waren eine Million Häuser von Bohrloch, Vergewaltigungen und verdreifachtem Raub ab, Drogen lief weit verbreitet und Morde erreichten maximal 1690 pro Jahr. Es kommt jedoch viel Kunst aus Chaos und der Herausforderung: New York war ein kreativer Cocktail von beidem.

Wie Fran Lebowitz schrieb: Wenn Sie New York verlassen, sind Sie überrascht, wie sauber der Rest der Welt. Reinigung ist nicht genug. Viele Künstler genossen überschüssige Frauen und führten dazu Ein seltsamer kultureller Zenith . Punk kam und die Popkultur hat den bürgerlichen Ansatz der Kunst ein für alle Mal niedergeschlagen, und die Aussaatfelder für Hip Hop würden bald gedeihen. Zusammenfassend gab es in New York inmitten des besten Jahrzehnts für Musik einen Kunststift. Die Ergebnisse sind immer noch da zu schätzen.

Wie Edmund White in schrieb Stadtjunge : Ich hatte das Glück, in New York zu leben, als es gefährlich, nervös und billig genug war, um die Moderatorin junger Künstler ohne Geld zu sein. Das war die Ära der Coffeeshops, da sie in New York definiert wurden: Günstige Restaurants öffnen den ganzen Tag, wo Sie für weniger essen können, als es kosten würde, zu Hause zu kochen. Das war die Ära von zerrissenen Jeans und schmutzigen T -Shirts, als die Art von Menschen, die von den erfolgreichen Materialzeichen beeindruckt sind, nicht die Menschen waren, die Sie treffen wollten.

Als nächstes haben wir einen Schnappschuss der Stadt der Zeit angeboten, indem wir die besten Alben gesammelt haben, die es im Jahrzehnt produziert hat. Von der besten CBGB -Explosion, die die Welt bis zum Beginn von Rap und dem extremen Fluss zu den Avant -Gart -Pionieren der Avant -Gartde verändert.

In Wahrheit könnten all diese Datensätze in der besten Liste aller Zeiten enthalten sein, um sie also in eine Wiedergabeliste am unteren Rand des Stücks zu platzieren. Genießen.

(Kredit: FAR/ALAMY/WIKI/Flickr)

Die 10 besten Alben der 1970er Jahre in New York:

[1970] Brücke auf Wasser mit Problemen - Simon

Die Blütezeit von Greenwich Village Horah wurde im Hymnary -Stil von Legenden angeboten, die dazu beigetragen haben, die Szene in den 1960er Jahren und wiederum die Gesamtheit der modernen alternativen Kultur zu erzeugen. Und es sollte nie passieren, was bedeutete, dass Musik ihre Demut der Demut aufrechterhielt ...

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Er wird sehen, Bob Dylan sagte einmal: Für mich sind die Leute nur viele dicke Leute. Und als der Filmemacher Ethan Coen sich auf diese Ernennung bezog, scherzte er: Diese Art von Ablehnung der Scheiße, die Sie wirklich lieben, ist interessant, real und menschlich. Sie sehen, die Sache ist, dass Volksmusik nie riesig war, Bob Dylan wollte nie die Welt verändern, Joni Mitchell hätte nie mehr als einen Raum voller betrunkener Leute in Gingham Cry tun dürfen ...

Die Szene explodierte jedoch in den Nähten und als sie schließlich zu modernen Formen wurde und die Bohnen des nachhallenden Rhythmus -Textes verließ, ersetzte sie jedoch schließlich das Regal, und es war ein großer Abschied, dass Yankee Yankee eine schöne Apotheose eines ganzen musikalischen Zenits war, dass wir immer noch positiv getestet werden (vielleicht nie überkommt).

Wenn das manchmal mit dem Hauptlied dieses Albums großartig erscheint, was zum Teufel kann man großartig sein, wenn das nicht ist? Und von da an entfalten sich die heiklen Ditties so perfekt, dass es so ist, als hätte der Äther sie nur für Äonen inkubiert, damit das Duo sanft um Samtspuren wird. Auf Wiedersehen Greenwich, Sie haben uns gut gedient, aber es war Zeit für die Menschen, ihr unterirdisches Haus zu verlassen und die Strahlen der Konzertsäle ohne spannungslos zu schütteln.

(Kredit: Columbia Records)

[1970] Geladen - El Velvet Underground

Es könnte in einer ungerechtfertigten persönlichen Meinung hier verborgen werden, aber trotz der kulturellen Zentimeter erreichte das unterirdische Samt ihren Höhepunkt mit dem Meisterwerk der 70er Jahre. Geladen . Das Album ist mit Haken gefährlicher als ein chinesischer Fischereibehälter geladen und wird mit weniger Fett geliefert und mit den meisten Fast -Food -Behältern gefüllt, die zu tun scheinen. Zusammenfassend ist jedes Lied eine Art Arbeit, aber mehr als das: fängt die treibende Kraft der Band von seiner besten Seite ein.

Die Effervescadora der Registrierung geht über alles hinaus, was klar identifiziert und gedruckt werden kann. Die Tiefe des Albums ist nicht in den Briefen meisterhafter Beat, unerschütterlichen Songs oder einer tiefen Avant -Gart -Innovation; Es wird in den trüben Klangbereiche der Gefühle und der Atmosphäre verfolgt. Das Nächste, was Sie kommen können, ist zu sagen, dass es sich wie eine Band anhört, die den Spiritualisten in einem seltsamen spirituellen Sinne als Proto-Indie-Alchemisten nimmt: New York hat eine Geschichte davon. Schmutzige Flecken schießen mit einer zeitlosen Vitalität wie einer Zitronen -Wende in einer Müllspritze. Oder besser gesagt, wie sein Name selbst, der Schmutz der U -Bahn überträgt in einem himmlischen kreativen Raum.

Darüber hinaus begann diese Geschichte fast mit Underground Samt. 1965 hatte die Filmemacherin Barbara Rubin ihre Freundin Andy Warhol in den Darm einer New Yorker Tauchbar gezogen, um ein Konzert zu führen. Warhol wurde sofort von rhythmischen Ikonoklanten fasziniert, die Drogen offen für harte Drogen und Sadomasochismus offen machen. Alle Berichte zufolge schien auch eine Verwandtschaft mit dem gleichgültigen Mangel an Scheiße von Scheiß im Zentrum zu spüren. Glücklicherweise hat der Tag für Musikschreiber, die Klischee produzieren, noch nicht erreicht, wo er nicht vor ihrer Zeit genannt werden kann (ich nehme an, einige Dinge sind mit guten Gründen Klischee).

(Kredit: Cotilion)

[1971] Männerstücke -Gil Scott-Heron

Jede Aufzeichnung, die RAP ein komplettes Jahrzehnt vor der Tatsache erfindet, ist für seinen Avant -Gart -Vormarsch allein gelobt. Die Schönheit von Männerstücke Es ist so, dass es die Grenzen des Genres, des Stils und der Absicht der nächsten Woche abdeckt, ohne seinen perfekten Sommerrhythmus zu brechen. Dies ist der Klang einer Zukunft, die wir noch nicht verwirklicht haben und so entspannend und bejahend sind wie eine Tasse Tee.

Als Anführer der Schande, Charlie Steen, sagte er, als wir kürzlich mit ihm gesprochen haben: Die Worte, der Rhythmus und das Problem der Themen, die Scott-Heron Tackle und Masters anpackt, machen es zu einer unaufhaltsamen Kraft, ein unanständiger Dichter und ein Genie ... seine Inspiration und sein Einfluss können in Recht und Artikern gesehen werden, und seine Arbeiten werden für immer leben. Seine Arbeit wird immer für immer leben. Der Mut, der mit Ehrlichkeit und Wahrheit verbunden ist, sollte niemals übersehen oder wenig geschätzt werden, seine Seltenheit macht es so besonders und wichtig.

Über diese gewagte Helligkeit hinaus, die die gebrochenen Ecken der Straßen von Manhattan festhielt und sie in einer perfekten Prosa beleuchtete, enthält ihre Arbeit etwas Totemisches. Als sein alter Freund der Johns Hopkins University, Dr. Ron,: Wenn David einen Felsen hängte und Goliath in der Mitte des Kopfes schlug, beschrieb ihn die Bibel so und ging. Und dann näherte sich [David] ein Schwert, das größer war als er und schnitt ihm den Kopf. Wenn Sie sehen, dass jemand das tut, fast alles, was später passiert, [Sie würden applaudieren]. [Gil Scott-Heron] war David für mich!

Und darüber hinaus war es etwas, das Kritiker nie genug Anerkennung geben: Es war unbeschreiblich Kalt . Es ist nicht unverschämter oder Jugendlicher, Frische erfordert ein Auge für die entwickelte Kultur und ein unfehlbares Gefühl des aufrichtigen Individualismus. Scott-Heron hatte es auf Schwertern und steigt während seines demütig arroganten Klangs auf.

(Gutschrift: Fliege Niederländer)

[1973] New Yorker Puppen - New Yorker Puppen

Wenn Simon

New York Dolls haben eine direkte Abstammung für den ersten echten Punk -Ausbruch. Jeder Club braucht ein Clubhaus, und das Epizentrum von Punk war der Big Apple. Insbesondere war es der CBGB. Die Puppen folgten dem gleichen Weg wie die Stooges und beanspruchten die ursprünglichen Prinzipien von Roll 'Roll mit mehr Atmosphäre und Einstellung, als die Kinder von Wutanfällen eines Stadions voller Wembley. Sie erreichten alle ihre alten Helden zu einer Art DIY -Agitator, das in der inhärenten künstlerischen Szene von New York, Anarchie, gebadet und auf ein lebendiges Kabel in Aktionen verschüttete, die von elektrisch Chambolen gefüttert wurden.

Johnny Thunders sagte einmal: Die Puppen waren eine Haltung, wenn nichts anderes, waren sie eine großartige Einstellung. Die Haltung ist der König in seinem homonymen Debüt. Seine musikalische Nachlässigkeit und die verrückte Überzeugung der Jugend waren sein erster und einziger Punkt. In diesem Sinne stellt es die musikalische Analyse in Frage, es ist keinen Sinn, über Meinungsverschiedenheiten oder Struktur des Songs zu sprechen. Diese Maßnahmen scheinen einen Hamburger für den Ernährungsgehalt zu beurteilen. Dies war eine fettliche Essensmahlzeit der leckersten Sorte.

(Kredit: Mercury Records)

[1975] Pferde - Patti Smith

Punk kann per Definition nicht in einer Person fixiert werden; Er schleppte sich aus den Tiefen des Felsens und die Rolle landete nach der Vorrunde der 60er Jahre und knurrte als unachtsames Abendessen zu diesem Verlust der Unschuld. Er kam in Entwässerungsrohren und reichlich Leder an und brauchte eine bereichernde Hand.

Patti Smith war diese bereichernde Hand. Und fügte eine große Absicht der Jugendanstrengung hinzu. Es war, als hätten diejenigen, die vor ihr kamen, das Rad erfunden, aber sie rollten einfach bergab, um zu lachen. Wie Smith sagte: Ich war jung, aber ich hatte das Gefühl, dass unsere kulturelle Stimme in Gefahr war und eine Infusion neuer Menschen und Ideen brauchte. Ich hatte nicht das Gefühl, ich bin ich. Ich betrachtete mich in keiner Weise als Musiker, aber er war ein Dichter und Dolmetscher, und ich hatte das Gefühl, dass ich verstand, wo wir waren, was sie uns gegeben hatten und wohin wir gehen sollten, und wenn ich sie ausdrücken konnte, könnte ich vielleicht die nächste Generation inspirieren. Dies war die Mutterschaft, die der Punk brauchte, und es war die Verbreitung des Patti -Schalters, die sie von Skylarkarking zu einer wichtigen kreativen Stimme katapultierte.

In ihren Worten spricht sie mit einer höheren Ebene, zu der sie gehört und Kunst ist. Es ist auch eine, die die Punkgrenzen von Urin, Spucke und Themen überschreitet und die Notwendigkeit der Freiheit zu schaffen, Freiheit zum Erfolg, Freiheit, Erfolg, Freiheit, der zu sein, wer Sie sind, zu schaffen.

Bei Punks Patin ging es immer darum, was später in einer sich ständig weiterentwickelnden Rasse passiert, und mit diesem Finger zur Puls -Haltung und der Leidenschaft für die Selbstausdruck, die Patti Smith Rock and Roll rettete. Kurz gesagt, Punk machte die Gitarren wieder Spaß - Pferde Es war nicht nur zentral dafür, sondern auch dafür, dass es einen Crash -Helm hatte, um seine Gehirnwirbelsäule als Fortschritte in der Zukunft zu schützen. Jeder, der einmal sagte, dass die Poesie langweilig war, zuzuhören und zu weinen.

(Kredit: Arista)

[1976] Ramones - Ramones

Die zeitlose Attraktivität der Ramones wurde vom britischen Punk -Dichter John Cooper Clarke besser zusammengefasst, der bei den Ramones Fanzine schrieb. Kleber Das nächste Stück Punk -Punk proklamierte Prosa: Ende 1975 las ich einen Artikel über die Ramones, eine Bande von vier Männern aus Queens. In seiner assoziativen szenischen Form und der Geschwindigkeit und Kürze ihrer Songs wurde viel getan. […] Ich habe die LP gekauft. Die Ramones waren und sind meine Begeisterung. Sie verstanden, dass es besser war, intelligente Buchstaben zu Idiotenproblemen als umgekehrt zu haben.

Dieser strenge Stil der Komposition von Liedern aus dem halben afghanischen Hound, dem halbverrückten Wissenschaftler überquerte Joey Ramone, und der unbeschwerte Vorteil würde bald von den Staaten nach England fließen, wo Sexwaffen das Aroma sammelten. Berichten zufolge hat in seinem ersten ungezügelten Konzert ein Franzosen an Steve Jones angerufen: Sie können nicht spielen! Worauf Steve Jones antwortete: Und was! Der Rest, wie sie sagen, ist die alte Geschichte und vieles davon wurde nach dem Bild der Ramones entworfen.

Dieses Album hätte im ersten Jahr nur rund 5.000 Exemplare verändern können, aber das ist oft der New York Way. Seitdem ist es zu einem großen Einfluss geworden und hat die Ramones in Legenden gemacht. Alles über Ihren Debüt -Rekord ist jetzt ikonisch. Das Titelbild, das vom wichtigsten Fotografen von Punk, Roberta Bayley, für nur 125 US -Dollar aufgenommen wurde; Der Junk -Sound wurde in sieben Tagen mit einem kleinen Budget von 6.400 US -Dollar aufgenommen. Sogar die Komposition von Liedern von Fire Quickfire. Alles an dem Album ist die Quintessenz von Punk, wie wir es kennen, und machte sich so lustig über die Rock-Prog-Rock-Bourgeoisie so, dass es sich nie erholen könnte.

(Gutschrift: Vaters Records)

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[1977] Marquesinmond - Fernsehen

Während der Buswind, den die New Yorker Handgelenke schnell in Gang gebracht hatten, begann schnell, Bäume zu heben und einen neuen Wahnsinn von Punk zu bilden, und arbeitete als Journalistin. Einmal wandte er sich, um eine Band namens Fernsehen in einem wenig bekannten Club zu sehen Langsam als CBGB bezeichnet .

Als Signifikant der künstlerischen Absicht der Band, die in dieser Nacht wirkt, würde eine Wand der Fernseher hinter ihnen gestapelt werden, die jeweils unterschiedliche Kanäle zeigt, mit Ausnahme eines, mit einem guten Geschmack außerhalb des Zentrums, der etwas Ähnliches wie die CCTV-Bilder von David Lynch-ähnlich des CBGB selbst zeigte. Ob sie dies sagten oder nicht, dies schien das Ideal des ursprünglichen New Yorker Rhythmus zu sein, das darauf abzielte, die ursprüngliche Kultur der Menschen im Flügel einzufangen.

Patti Smiths Stück trägt den Titel: Television: Quellen des Himmels. Und eine der Proto-Kraft-Aussagen ist in dem Stück gelesen: Verwirrte sexuelle Energie macht junge Menschen so wünschenswert; seine nachlässige Art zu kleiden; seine seltsame Art zu gehen; voller so viel Sehnsucht. Einfach unerbittlich Teenager. Dieser jugendliche Geist, der stolz im Fernsehen stolz ausstellte, war fast die vielversprechende Punk -Stärke.

Diese Energie brauchte drei Jahre, um ein Meisterwerk zu reifen. Jedes wunderbare Element der Bewegung ist auf der Leinwand von verdreht Monatliche Marke so ein Ausmaß, dass eine zehn Tonnen Pumpe in den Vinyl -rotierenden Handschuh fallen und nie auf den Boden traf. Es gibt einige Kritiker, die den Punkt der CBGB -Szene vermissen und glauben, dass die Bands es taten Eine Bewegung Keine Musik. Marquesinmond Torres über Kommentare, die so leer wie ein ungezügeltes Kreativitätsgebäude.

Ich erinnere mich, als ich zum ersten Mal hörte, dass es ein seltenes Gebet in der Musik ist, aber die Noten des Song des Titels sind ein himmlischer Geräusch, der wahrscheinlich nicht vergessen wird. Die Schallwelle entlang der Scheibe hat etwas Amorphes, drückt und drückt bestmögliche Weise, z.

(Kredit: Elektra Records)

[1977] Elegant - Chic

Disc und Punk sind einfach verschiedene Seiten der gleichen Währung und wenn Marquesinmond Es war ein Akt der Verfeinerung, dann servierte das Homonym von 1977 von Chic ein perfekt gewürztes Gericht, ohne Fett schneiden zu müssen. Mit nur sieben Hinweisen definierte er den neuen Sound des modersten Wochenendes der Stadt.

Rückblickend ist es fast beunruhigend, dass es in wenigen Jahren so viele musikalische Innovationen an einem Ort gab. Für diese Aufzeichnung nutzte Rodgers das, was er als unsichtbare Puppe gehört hatte, hinter einem Vorhang der Zukunft versteckt. Wie er einmal sagte: Es scheint, dass meine Aufgabe es ist, Menschen zu unterstützen. Unterstützung für großartige Künstler. Als ich mit einer Symphonie arbeitete, saß ich auf dem dritten Stuhl, nicht auf dem ersten Stuhl. In einem Ziel der Bedeutung unterstützt die Registrierung die Menschen sogar zur Reichweite des lebenswichtigen Wochenende inmitten der sehr schwierigen Zeiten.

Wie bei all den Arbeiten von Nil Rodgers gibt es genauso viel Musik, zu sezieren, aber sobald Sie versuchen, die rotierende Leitung des Klangs zu vertiefen, der Sie mit einer spielerischen Komödie von Ywsah, Yowsah, Ywsah schlägt, und Sie plötzlich denken, warum Sie sich mit so etwas nachlassen möchten, können Sie sich nicht nachlassen. Es ist das gleiche einzigartige Sinn für natürliche Spaß, das im Album filtert und zu Musik mit fast medizinischen Eigenschaften führt.

(Kredit: Atlantik)

[1978] Parallellinien - Blondie

Die Punkszene, die in New York City explodierte, war Pandoras Musikbox. Sobald er sich öffnete, trat er nie wieder ein und als er brillant explodierte, kam er sofort zu einer Vielzahl magischer Musikanweisungen. Blondie mischte es mit Pop mit Ausgeglichenheit und dabei half dabei, danach einen Kamm der neuen Wellenbänder zu erzeugen.

louis thomas hardy

Punk hatte einige unglaubliche Songs für die Zeit produziert Parallellinien Er wurde freigelassen und tatsächlich hatte er Blondie, aber jetzt hatte das Genre erkennbare Singles als Zeugnis seiner Entwicklung. Die Hinweise wie das Herz aus Glas und die eine oder andere Weise schossen aus Funkeln und hing in ihren Ohren, wie z.

Anstatt seinen Avant -Garter zu trennen, machte er die Party einfach ein wenig mehr. New York veränderte sich, als das Werk der Kunst von Jean-Michel Basquiat eine Möglichkeit entdeckte, gebrochenem Beton Farbe zu verleihen. Die Abdeckung von Parallellinien Es könnte monochrom sein, brachte aber die lebendigen Blitze der Rufe der Helligkeit in den Untergrund. Und Junge sah gut aus!

(Kredit: Chrysalis Records)

[1979] Angst vor Musik - Parlante Köpfe

Von Zeit zu Zeit braucht Musik jemanden, um sie an den Klappen zu ergreifen und sie während eines Erdbebens wie ein Flipper im Spiel anzugreifen. Selbst innerhalb des Punk de Promethean -Strudstroms landeten die Formen der Kunstschulen der sprechenden Köpfe irgendwie wie ein kalter Hauch von Wasser für jeden mit dem Gesicht, das fest im Puls fingert.

Die Redner haben jedoch nicht genau die Branche als Power -Schlauch geschossen. David Byrne und die Band öffneten mehr für die Musikindustrie, präsentierten sich als intergalaktische Präsenz, begleitet von der Hand auf die Tanzfläche und zeigte ihm, wie man einen Floppy macht. Wie Bassist Tina Weymouth einmal sagte, als sie die Sprecher gründete, dachten wir an die Tanzmusik des Menschen.

Dieses intergalaktische Element präsidiert la maestra la maestra Angst vor Musik . Byrne schien die Welt als Herr der Kunstschule zu sehen. Sie waren eine parische Gruppe kreativer Outlaws und in ihrer Geschichte schwerer Angriffe schwerer Körperverletzung gegen Banalität haben sie ihren Vorteil als denkenden Mann nie verloren. Lebenslied während des Krieges seines Meisterwerks von 1979 Angst vor Musik Es ist ein Zeugnis davon.

Es gibt keine Band auf der Welt, die sich der terroristischen Ideologie von stellen kann Verließ Berlin West Berlin Die bolnevistische Baader-meinhof-Gruppe wechselt die politische Bewertung in eine Beat Disco und verliert den viszeralen Rand eines der Elemente nicht. Weit davon entfernt, eine nachlässige Satire zu sein, die die schwerwiegende Natur der zerstörerischen Gruppe in einem unbeschwerten Lied vermisst, nähert sich die Band dem Thema mit Bedacht und beherbergt Byrnes kluge Beobachtungen in einer legitimen Jazz -Wohnung. Dies setzt sich in einem der besten Alben fort.

(Gutschrift: Vaters Records)