Fünf Szenen, die die Branche schütteln, die das Kino für immer verändert haben
Wie jede andere Kunstform basiert das Kino auf einer Reihe etablierter Tropen. Die Leute gehen ins Kino und warten auf bestimmte Dinge, und Filmemacher können diese Baublöcke nutzen, um ihre eigenen Welten aufzubauen und sie einem Publikum zu präsentieren. Von Zeit zu Zeit erscheint jedoch etwas und schüttelt diese Basen in seinen Kern.
Gut viele Menschen, die am Kinogeschäft involviert sind, die denken, sie hätten Ideen, die Verändere die Welt, aber nur sehr wenige schaffen es, dies zu erreichen. Dies sind technische Innovationen, Rhythmen von Charakteren oder vollständige Themen, die durch eine andere Linse gesehen werden. Diese fünf Filme haben die Branche in einer anderen Position gelassen, als sie es gefunden haben.
Obwohl nicht alle diese Filme die ersten waren, die bestimmte Dinge taten, haben sie definitiv die Merkmale, mit denen sie assoziiert sind, populär gemacht. Ohne Zweifel hat jeder eine Schuld mit kleineren Bildern, die nicht fast so viel Traktion erhielten, aber dies sind diejenigen, die die größten Auswirkungen auf ihre gewählten Felder hatten.
Sie machten nicht nur Wellen, sondern schickten auch Schockwellen durch Hollywood, was die Regeln dessen, was auf dem Bildschirm möglich war, umschrieben. Entweder ein innovativer visueller Effekt, eine radikale Auswahl des Geschichtenerzählens oder eine mutige Sicht des Regisseurs, diese Filme haben die Filmlandschaft neu definiert. Einige geteilte Publikum, andere wurden zu Sofortklassiker, aber alle zeigten, dass der Film in den richtigen Händen immer noch eine unvorhersehbare und sich ständig entwickelnde Kraft sein kann.
Fünf Szenen, die das Kino für immer verändert haben:
Citizen Kane (Orson Welles, 1941)
Es ist das Klischee geworden, um alle Klischees zu beenden, die das Debüt als Direktor von Orson Welles Ciudadano Kane Es ist einer der besten Filme aller Zeiten. Das ist jedoch das Problem. Neben dem überzeugenden Ehrgeiz, Herzschmerz und den Erfolgsgefahren begann der Film mehrere Techniken oder Strukturen, die heute im Kino üblich sind. Die Verwendung von Rückblenden, seine nichtlineare Handlung und seine beeindruckenden Make -up- und Spezialeffekte haben das Medium in die großen Sprünge vorangetrieben, aber es ist die technische Arbeit von Welles, dem Direktor der Fotografie Gregg Toland und dem Herausgeber Robert Wise, der am meisten auffällt.
Sie könnten fast jede Szene im Film spielen und mit etwas innovativem Stolpere stolpern, aber warum sollten Sie den gesamten Film durchlaufen, wenn der Eröffnungsabschnitt so ikonisch ist? Die langsame und finstere Verfolgung gegenüber Xanadu, die palastarme Stärke der Hauptfigur, ist voller technischer Wunder. Eine Reihe von gut versteckten Auflösungen, einschließlich eines in einem Spiegelbild des Hauses in einer Wasserpfütze, behält den Impuls des Fortschritts auf. Das einsame Licht in Kanes Zimmer bleibt mit jedem neuen Rahmen am selben Ort, eine sehr beeindruckende Leistung, die das Gefühl des Eintauchens des Publikums erhöht. Von Anfang an, Ciudadano Kane veränderte das Spiel und sein Einfluss auf zukünftige Generationen kann nicht übertrieben werden.
Der Zauberer von Oz (Victor Fleming, 1939)
Es ist wirklich erstaunlich zu glauben, dass er im selben Jahr, in dem er sich in den meisten Jahren in Europa in den Zweiten Weltkrieg einbrachte, einer der glücklichsten und geschätzten Filme der Musicals aller Zeiten die Öffentlichkeit in den Vereinigten Staaten beeindruckte. Die Geschichte von Dorothy und seiner Reise von Judy Garland entlang des gelben Brickpfads ist in der DNA der Popkultur mit mehr Parodien und Ehrungen gebacken, die Sie den Schwanz des Löwglöwenmagers schütteln können.
Vielleicht das denkwürdigste und Wichtige Szene Von Victor Flemings Meisterwerk ist das, das unsere Heldin zum ersten Mal im Kopf von Oz eröffnet. Bis zu diesem Zeitpunkt war der Film in Schwarzweiß präsentiert worden, aber sobald Dorothy die Tür seiner vertriebenen Hütte öffnet, wird das Publikum durch eine Explosion des glorreichen Technikers geblendet. Obwohl es nicht die erste Szene ist, die die Technik einsetzt, zeigte es, wie mächtig sie sein könnte. Die Übergänge zwischen Monochrom und Farbe werden heute noch verwendet, um Änderungen in Zeit, Ort oder Gefühl zu demonstrieren, und keiner dieser Szenen wäre ohne den Erfolg dieses Kansas -Mädchens möglich gewesen.
Psycho (Alfred Hitchcock, 1960)
Selbst jetzt leiden viele Filmprotagonisten unter dem, was liebevoll als Hauptcharaktersyndrom bezeichnet wird. Jeder weiß, dass James Bond zum nächsten Film zurückkehren muss. Warum sollten Sie sich Sorgen machen, wenn er ihn in sterblicher Gefahr bringt? Mit der bemerkenswerten Ausnahme von Es gibt keine Zeit zu sterben , Natürlich. Wäre Daniel Craig in die Luft gesprengt worden, wenn Alfred Hitchcock seinen Protagonisten ungefähr sechs Jahrzehnte zuvor nicht getötet hätte? Mit ziemlicher Sicherheit nicht.
Marion Crane (Janet Leigh) ist in der Dusche, wenn eine mysteriöse Figur mit einem Messer voranschreitet. Als sich die Spannung und die legendäre Punktzahl von Bernard Hermann darunter ansammeln, zeigte sich die Figur später als Norman Bates von Anthony Perkins. Er sticht immer wieder den armen Marion, sein Blut umgibt den Abfluss. Mit dem Hauptcharakter zur Hälfte der Ausführungszeit war niemand in Sicherheit Psychopath , oder ein Film für den Fall .
Dies ist bis heute eine Seltenheit in den Filmen, da die meisten Drehbuchautoren Angst haben, ihre Führung zu töten und das Publikum zu verlieren. Allerdings kein Hitchcock. Er betrachtet Ihre Konventionen und lacht.
Rettung privater Ryan (Steven Spielberg, 1998)
Krieg ist die Hölle, und nirgendwo ist es klarer als bei der Eröffnung von Steven Spielbergs Ryan privat retten . Omaha Beach, 1944. Operation Neptun, besser bekannt als D-Day. Tausende amerikanische Truppen schließen sich ihren Kameraden aus dem Vereinigten Königreich, Frankreich, Kanada an und vielen anderen, um den Landangriff zu beginnen, von dem wir hoffen, dass er das Ende des Zweiten Weltkriegs erzeugt. Die Landungen von Normandy Beach werden als einer der blutigsten und brutalsten Teile des gesamten Konflikts verehrt. Tausende von Männern, die durch Schießen geschnitten wurden, bevor ihre Füße sogar den Sand berührten.
Die während des Krieges festgelegten Filme können schuldig sein, bewaffneten Kampf zu verherrlichen. Nicht das. Spielberg wollte den Wahnsinn des Tages D vermitteln, also tat er alles, um diese Szene so herzzerreißend wie möglich zu machen. Durch die brillante Kinematographie von Janusz Kamiński fühlen sich die hektischen Szenen ermordeter oder verletzter Männer überraschend real an. In diesem Strudel von Kugeln, Extremitäten und sterbenden Rufsen ist nichts Glamourös. Berichten zufolge konnten einige Veteranen die Eröffnungsszene nicht überwinden, weil sie sie zu viel an die Schrecken erinnerten, die sie ertragen hatten. Von der ersten Übernahme dieses bemerkenswerten Films war War on Screen nie wieder dasselbe.
Tigre Agachado, Hidden Dragon (Ang Lee, 2000)
Der erste nicht -englische Sprachfilm, der in den USA mehr als 100 Millionen US -Dollar einbrachte, war ein Kampfsportfilm, von dem niemand einen Erfolg erwartet hatte. Regie von der großen Ang Read, Crouch Tiger, versteckter Drache Es ist ein Beispiel für eine Exzellenz von Wuxia, die das Leben der Kampfkünstler im alten China untersucht. Mit Chow Yun-Fat und Michelle Yeoh beginnt die Handlung, wenn das legendäre Schicksal des grünen Schwertes aus dem grünen Schwert stiehlt, und zwei Meisterkämpfer müssen entdecken, wer es genommen und dorthin zurückbringen, wo es hingehört.
Die Verwendung von Kabeln zur Übertreibung der Bewegungen der Schauspieler und des Schlaganfall -Stabs ist während des gesamten Films herrscht. Dies war von der westlichen Öffentlichkeit zuvor, insbesondere in Die Matrix Aber seine Verwendung im Kampf zwischen Li Mu Bai (Chow) und Jade Fox (Cheng Pei-Pei) fühlt sich viel authentischer an. Es ist ein wunderschön choreografierter Kampf, deren Verwendung von Kabeln, die seinen Charakteren eine fast übernatürliche Aura verleiht, ohne zu viel im Absurden abzuweichen.
Nicht seit Bruce Lee zum ersten Mal in die Szene eingebrochen, wenn asiatische Kampfkünstler mit dieser Art von Respekt behandelt worden waren: Das internationale Kino war jetzt ein Genre, das im westlichen Mainstream gegründet wurde und die Tore jedes großen nicht -englischen Films des 21. Jahrhunderts öffnete, das von einem viel größeren Publikum gesehen wurde.
