Chronik eines Sommers: Die Geburt der Wahrheit des Kinos
Seit seiner Gründung hat Cinema eine Flucht versprochen, ein Ort, an dem er sich in einer Fantasiewelt verirren und die Kämpfe der Welt der Welt vergessen. In der Mitte des Jahrhunderts begannen die Filmemacher jedoch zu untersuchen, wie ihr ausgewähltes Medium die reale Welt dokumentieren konnte. Zwei Denk- und Methodenschulen, die in dieser Zeit entwickelt wurden: Direkter Kino und Kino Verté (Französisch für das Kino der Wahrheit). Beide Bewegungen versuchten, die Welt auf wahrheitsgemäße Weise zu erfassen, aber wo sich das direkte Kino darauf konzentrierte, den Filmemacher aus der Geschichte herauszulassen und einen Ansatz zu verfolgen, um an der Wand zu fliegen, glaubte Cinema vérité, dass die Wahrheit nicht nur eine Kamera auf ein Thema lenkte, sondern auf den Filmprozess aufmerksam machte.
In dieser letzten Kategorie war kein Film so einflussreich wie Chronik eines Sommers , ein Dokumentarfilm von 1961, der vom Soziologen Edgar Morin und dem Anthropologen und Filmemacher Jean Rouch erstellt wurde. Nach dem Leben einer Vielzahl von Menschen im Sommer 1960 werden Interviews vorgestellt, in denen sich die Filmemacher und ihre Mitarbeiter in die wagen Pariser Straßen und sprechen Sie mit Freunden, Familie und Bekannten.
Morin und Rouch wurden von dem sowjetischen Filmemacher Dziga Vartov inspiriert, der den Begriff Kino-Pravda (Russian for the Truth of Cinema) geprägt hatte, um eine Reihe von Filmen zu beschreiben, die er in den 1920er Jahren in kontrollierten Klangstudien in City Street gedreht hatte. Morin und Rouch hatten moderne Technologie in Form von kleineren und laptops und synchronisierten Klang, die es ihnen ermöglichten, sich viel freier zu bewegen. Sie unterscheiden sich auch von Vartov, indem sie glauben, dass, da niemand natürlich ist, wenn sie sich vor einer Kamera befinden, nicht erwartet werden sollte, dass die Öffentlichkeit so tun wird, als würden sich die Probanden vollständig spontan handeln. Es war wahrer, die Filmemacher in die Kamera zu bringen und sie über ihren Filmprozess zu diskutieren.
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Chronik eines Sommers Beginnen Sie ironischerweise mit einem etwas inszenierten Gespräch zwischen Morin und Rouch, in dem sie argumentieren, ob es möglich sein wird, einen echten Film zu kreieren. Sie sprechen mit Marceline Loridan, die die Interviews in Auftrag gegeben hat, ob er natürlich vor der Kamera handeln kann. Er wird dann mit einem Mikrofon in den Straßen von Paris angehalten und fragt Passanten, ob sie glücklich sind.
Die offene Natur der Frage war Teil der Strategie von Morin und Rouch, Authentizität zu erreichen. Sie glaubten, dass eine spezifischere Frage zu führen würde. Das Ergebnis ist eine Reihe seltsam faszinierender Begegnungen. Kannst du mein Gesicht nicht sehen? Eine Passantfrage. Sprich nicht mit mir darüber, sagt ein anderer. Einige weigern sich zu antworten. Ein Mann enthüllt, dass seine Schwester kürzlich gestorben ist. Später besuchen Loridan und sein Kollege Freunde und Bekannte in ihren Häusern und arbeiten daran, ähnliche Fragen zu stellen.
Wenn dies die Gesamtheit des Films wäre, ist es möglicherweise nicht ein geschätzter Eingang zur Dokumentarfilmgebühr. Aber dann dreht sich die Dinge. Während einer Szene in der Mitte des Films, als Loridan über seine angespannte Beziehung zu seinem Partner weinte, bewegt sich die Kamera in Richtung seinem Arm, um ein numerisches Tattoo zu enthüllen. Dies verändert den Weg des Films, eröffnet ein Gespräch über den Holocaust und ein langes Spiegelbild von Loridan selbst über seine Zeit in Auschwitz. Das Thema verwandelt sich in ein Gespräch über den Krieg des Tages, den algerischen Krieg, ein Thema, das zu dieser Zeit von der französischen Regierung sehr zensiert wurde.
Der Film schließt mit Morin und Rouch, die durch ein Museum zugänglich sind, tief in einem problematischen Gespräch. Nachdem sie begonnen haben, die Bilder der Öffentlichkeit zu zeigen, sind sie überrascht von der Vielfalt der Antworten, die sie erregt und ungewiss, ob sie ihr Ziel erreicht haben. Für die Filmemacher, die nach ihnen kamen, ist die Antwort ein resonantes Ja. Indem sie die wirklichen Menschen anstelle der Schauspieler hervorheben und die Ereignisse spontan entwickeln ließen, erstellten sie eine neue Vorlage darüber, wie Dokumentarfilme gemacht werden könnten und wie eine allgemeine Wahrheit trotz der inhärenten Geräte der Umwelt übertragen werden könnte. Das Echos der Bewegung wurde auch im narrativen Kino häufig, insbesondere im Erzählkino Die Arbeit des Regisseurs John Cassavetes .
