10 Essentielle Filme der neuen australischen Welle

Wenn ich nicht die Art von Film machen kann, die ich machen möchte, dann Dämonen. - Peter Weir

Diese Bewegung wird oft als Renaissance des australischen Films bezeichnet und ist weitgehend als künstlerische Kraft akkreditiert, die die Originalität australischer Filme wiederbelebt hat. Ab den frühen 1970er Jahren produzierte die neue australische Welle in den nächsten zwei Jahrzehnten äußerst ehrliche und köstlich fantasievolle Werke, in denen das australische Kino einem Weltpublikum vorgestellt wurde.

Nach dem Zweiten Weltkrieg hatte die australische Filmindustrie stark gesunken, aber eine neue Generation von Filmemachern konzentrierte sich darauf, ihre Träume auf der großen Leinwand auszudrücken. Die Filme dieser Zeit waren von ihrer Vision und unmittelbarem Offenheit geprägt, um die filmischen Darstellungen von Gewalt, Sexualität und den universellen Problemen des menschlichen Zustands anzugehen.

Eine der Hauptfiguren der neuen australischen Welle, Peter Weir, erinnerte sich in a Interview : Es gab hier wirklich keine Kultur, als es wuchs. Es gibt keine großen Sammlungen von Gemälden und nur sehr wenig auf dem Weg der Philanthropen, wie in ihrem Land, die ihre schlechten Gewinne nehmen und sie in Kunst als Sühnee ausgeben würden.

Er fügte hinzu, es scheint merkwürdig zu sagen, aber die Landschaft, die Natur selbst, war wahrscheinlich der größte Einfluss für mich, insbesondere hier in diesem großen leeren Land zu sein und wie ich am Meer zu leben. Ich denke, das war meine Kunstgalerie. Es war eine Ära, in der Kinder immer draußen bestellt und umgeleitet werden konnten, in die Bucht gehen. Langeweile kann für jeden mit Vorstellungskraft ein großer Vorteil sein.

Im Rahmen unserer wöchentlichen Aufmerksamkeit im World Cinema haben wir 10 wesentliche Filme der neuen australischen Welle überprüft, um zu verstehen, wie neue kreative Kräfte das Wiederaufleben des australischen Kinos erleichterten.

Die 10 besten Filme der neuen australischen Welle:

Aufwachen (Ted Kotcheff - 1971)

Ted Kotcheffs wegweisende psychologische Thriller ist eines der ersten und besten Beispiele für die neue australische Welle. In Australien Outback gegründet, Aufwachen Es präsentiert den Fall eines jungen Schullehrers, der sich mit den Konzepten der Moral und Bedeutung befasste. Es wurde angenommen, dass der negative Lehrer des Films verloren war, aber dieser Kultklassiker wurde 2004 erfolgreich wiederhergestellt.

Ich wollte wieder herstellen, was ich fühlte, und ich sah: Hitze, Schweiß, Staub, Fliegen, sagte Kotcheff. Ich habe Sets und Kostümdesigner gesagt: Ich möchte keine großartige Farbe sehen. Ich möchte nicht blau oder grün sehen. Immer. In irgendetwas. Alles was ich will ist rot, gelb, orange, burgunder und braun. Alle heißen Farben. In Kostümen, Sets, alles. Ich wollte, dass die Leute den Film sehen und unbewusst schwitzen.

Picknick mit Hanging Rock (Peter Weir - 1975)

Die brillante Adaption von Peter Weir des Cliff Green -Romans im Jahr 1967 ist die wahrscheinlich emblematischste und berühmteste Arbeit der Filmbewegung. Es ist ein Film, der es schafft, dem Betrachter Schaden zuzufügen, ohne auf die Tropen zurückzugreifen, die über das Genre des Horrors hinausgehen.

Weir enthüllte, dass meine einzige Sorge war, ob ein Publikum eine so skandalöse Idee akzeptieren würde. Persönlich fand ich immer den befriedigendsten und faszinierendsten Aspekt des Films. Normalerweise enttäuschendes endgültiges Treffen: Sie sind völlig unnatürlich. Du Sohn Schaffen Sie das Leben auf dem Bildschirm und das Leben hat keine Endungen. Es geht immer zu etwas anderem und es gibt immer unerklärliche Elemente.

Sonntag zu weit (Ken Hannam - 1975)

Dieser Film von 1975 enthält die meisten wichtigen Elemente der neuen australischen Welle, die eine grundlegende Isolation enthält, die das Publikum überwältigt, wenn er im Rahmen der unerbittlichen Landschaft kontextualisiert wird. Es spielt Jack Thompson als Waffenspieß, der die australische männliche Kultur typisiert.

Der Film war ein kritischer und kommerzieller Erfolg und gewann an der australischen Abendkasse 1.356.000 US -Dollar. Er gewann auch drei Auszeichnungen von 1975 vom Australian Film Institute, darunter den begehrten besten Film, den besten Schauspieler und die Kategorien des besten Support -Schauspielers.

Der Erholungshof des Teufels (Fred Schepisi - 1976)

Ein halbautobiografisches Werk, das zutiefst persönlich und bewegend ist, Der Erholungshof des Teufels Die Geschichte des Alters eines Kindes folgt in einem konservativen katholischen Seminar. Er macht relevante Fragen des Glaubens und der Sexualität und befragt die Agentur eines Einzelnen zu seinem eigenen Körper, wenn er religiöse Einschränkungen und moralische Kodierung durchläuft.

Schepisi kommentierte, ich habe keine Filmpräzedenzfälle, einfach nicht. Ich bin nicht dumm genug zu glauben, dass sie nicht absorbiert sind, aber ich folge nicht einem Filmemacherstil. Das Material bestimmt Ihre Bedürfnisse. Was ich darüber sagen würde Der Erholungshof des Teufels Habe ich es verwässert, weil ich tatsächlich fünf Jahre gebraucht habe, um das Geld zu sammeln, und mehr als die Hälfte des Geldes war mein, und ich musste so viel Geld platzieren, um es zu bekommen? Ich musste das Kino einstellen. Niemand mochte den Film, bis ich ihn herausgenommen habe, was ziemlich bemerkenswert erscheint.

Meine brillante Karriere (Gillian Armstrong - 1979)

Das beeindruckende Drama der Gillian Armstrong -Zeit im ländlichen Australien am Ende des 19. Jahrhunderts basiert auf dem Roman von Miles Franklin und erzählt die Geschichte einer talentierten Frau, die Schriftstellerin werden möchte, die jedoch von den normativen Vorurteilen der Gesellschaft und der Romantik erstickt wird. Meine brillante Karriere Er erhielt mehrere Auszeichnungen und Nominierungen, darunter Oscar- und Golden Globe -Bälle.

Armstrong sagte, dass das, was ich von Anfang meiner Karriere immer hasste, immer als Filmemacher bezeichnet wurde. Ich wurde nicht nur als Gillian Armstrong, Direktor, bezeichnet. Ich hatte das Gefühl, dass es etwas sexistisches und herablassendes war, das nicht vor Phillip Noyce männlicher Regisseur gesagt wurde, und die Fragen, die sie mir immer über Frauen in meinen Filmen stellten, als wäre es nicht wirklich eine dreidimensionale Künstlerin, stattdessen bin ich nur eine Person, die auf die Erde gesetzt wurde, um kranke Versprechungen über Frauen zu machen.

josh fraser landon

Mad Max (George Miller - 1979)

Der Einfluss des ursprünglichen Science -Fiction -Films von 1979 von George Miller auf das Genre kann kaum übertrieben sein. Mad Max Es malt ein faszinierendes Bild einer dystopischen Zukunft, in der Gewalt und sozialer Zusammenbruch für die Landschaft ein wesentlicher Bestandteil geworden sind. Mel Gibson spielt Mad Max, die einzige verbleibende Verbindung zu den Wertesystemen, mit denen wir vertraut sind, und das nihilistische Vakuum dieses neuen Landes.

Miller erklärte, dass er sehr an dem Charakter interessiert war und wie die maximalen Geschichten erzählt werden, im Grunde genommen allegorische Geschichten in der gleichen Weise wie der westliche Klassiker waren. Max ist eine Figur, die in diese Geschichte gezogen wird, die diese Art von Vagabund im Moor ist und nach einem Sinn von Bedeutung in einer sehr ausgeprägten Welt sucht.

Morant Break (Bruce Beresford - 1980)

Beresfords historisches Drama stellt die unendliche Heuchelei des Krieges durch die Geschichte von drei Militäroffizieren in Frage, die wegen ihrer Kriegsverbrechen Kriegsgerichtsgerichte waren. Der Film war ein Erfolg an der Abendkasse und gewann 10 Australian Film Institute Awards und erhielt eine Oscar -Nominierung auch für das beste angepasste Drehbuch.

Beresford stellte klar, dass er nicht daran interessiert war, diese Männerhelden zu machen. Ich habe nicht versucht, die Situation zu bleichsen. Was mich interessierte, war die moralische Verantwortung in Kriegszeiten ... Der Film gab nie einen Moment vor, der nicht schuldig war. Er sagte, sie seien schuldig. Das Interessante daran war jedoch, dass er analysierte, warum sich Männer in dieser Situation verhalten würden, da sie sich noch nie zuvor in ihrem Leben verhalten hatten.

Sie sind der Druck, der für die Menschen in der Kriegszeit für Menschen ausgestattet ist. Das war es, was daran interessiert war, zu prüfen. Es überrascht mich immer, wenn die Leute mir sagen, dass dies ein Film über arme Australier ist, die von den Briten umrahmt wurden.

Wonne (Ray Lawrence - 1985)

Ray Lawrences brillantes Comedy -Drama startet eine mächtige philosophische Forschung über die Dichotomie von Leben und Tod. Folgen Sie der Erfahrung in der Nähe eines Todes eines Mannes, der überzeugt ist, dass er nach dem Überleben eines Herzinfarkts in der Hölle ist. Wonne Er hat einen einzigartigen Platz in der neuen australischen Welle, weil er vom Realismus seiner Vorgänger abweicht und die modernistischen Experimente der 90er Jahre vorweggenommen hat.

Lawrence drehte 16 Jahre später keinen weiteren Film Wonne Es kam heraus. Er erklärte, dass er an vielen anderen Projekten arbeitete, aber leider konnte keiner von ihnen finanziert werden. Es gab im Laufe der Jahre ziemlich viel: Schiene , was auf Robyn Davisons Buch basierte; Süß , das im tropischen Norden Australiens gegründet wurde, ein Rätsel des Mordes; Und Machete , an der Westküste in einer Wüstenstadt. Diese Geschichte war der Beginn meines Interesses an männlichen und weiblichen Unterschieden. Alle kamen am endgültigen Entwurf an.

Das Jahr, in dem meine Stimme brach (John Duigan - 1987)

Einer der besten australischen Filme der Mehrheit aller Zeiten, Das Jahr, in dem meine Stimme brach Erforschen Sie die Herausforderungen der Jugend durch Dannys Geschichte, einen unangenehmen Teenager, der im ländlichen Australien lebt, der sich verliebt. Basierend auf den eigenen Erfahrungen von Duigan gewann dieses Meisterwerk von 1987 den besten Kino -Preis vom Australian Film Institute.

In a Interview Said Duigan, mein Hauptstudiengebiet an der Universität war Philosophie und überlegte die Idee, nach Cambridge zu gehen und dort zu promovieren, aber ich entschied mich, in der Filmindustrie zu arbeiten. Ich glaube, dass das Interesse an Ethik für mich immer dauerhaft war, und in gewissem Maße hat es in vielen der Filme, die ich mache, eine Art Resonanz, wenn auch nicht alles.

Celia (Ann Turner - 1989)

Dieser australische Horrorfilm von 1989 ist eine dunkle und quasiografische Geschichte über den Verlust der Unschuld von Kindern aus dem Jahr 1989 auf den merkwürdigen Fall eines Mädchens, das durch die Bildung ihres eigenen Berichts ausgesetzt ist. Der Film wird auch zu relevanten politischen Kommentaren gegeben, in denen die Kisten kommunistischer Hexen und die rote Angst der 1950er Jahre untersucht werden.

Turner überlegte, was für mich auffällt, ist die Darstellung der Kindheit, in all seinem Glück und seines Entsetzens, er hat sich in einem politischen Kontext durch Vorstadt- und Alltagsaktivitäten entwickelt. Ich mag die Mischung aus persönlich und politisch. Die Hauptinterpretation, die ich bei der Veröffentlichung des Films hatte und international zu den Filmfestivals reiste, war, wie universell die Erfahrung der Kindheit: Grenzen und Generationen überqueren. Zu dieser Zeit überraschte ich ein wenig, wie ich so speziell über die australische Kindheit geschrieben hatte.