Die 10 besten 2024 Filme, die unter das Radar gebracht wurden

Mit einer ständigen Übertragung von Filmen, die geworfen werden, kann es schwierig sein, zu wissen, wo man anfangen soll. Sie fühlen sich schuldig, wenn Sie den lang erwarteten Indie oder enttäuscht vermissen, wenn Sie endlich den Film spüren, von dem jeder aufgeregt war, und sich ein bisschen enttäuscht und leer fühlten. Aus diesem Grund ist es natürlich, dass einige Titel unter das Radar rutschen, die zu ihrer unendlichen Überwachungsliste hinzugefügt werden und nie die Zeit finden, sie zu markieren.

alexander dobrev

Im Laufe des Jahres gab es unzählige versteckte Edelsteine, um dem kulturellen Bewusstsein zu entkommen und seinen Weg zum Grund des Stapels zu finden, unabhängig von seiner Innovation und Auswirkungen. Dank der gegenwärtigen Ära der Übertragung und der Theaterstartperioden ist es miserabel kurzer als je zuvor, dass kleinere Filme ihre Stimme für Furore machen und ihre Stimme hören, mit einer Wolke von Lärm und Ablenkung, die die konventionelle Öffentlichkeit beeinträchtigt, die die Filmemacher und etablierten Unternehmen priorisiert.

Trotzdem werden die besten Geschichten immer einen Weg in der Welt finden, selbst mit den Herausforderungen, die es aufstrebende Filmemacher erschweren, ihre Vision zu erkennen: Authentizität und Verletzlichkeit leuchten immer durch Risse und finden einen Weg, um die richtigen Menschen zu erreichen.

Dann, ohne weiteres, hier sind die 2024 Filme, die unter dem Radar vorbeigegangen sind und die vollständige und ungeteilte Aufmerksamkeit verdienen, die sie beim ersten Mal nicht erhalten haben.

Die besten Filme unter dem Radar von 2024:

Viet y Nam (Truong Minh Quy)

Viet y Nam is Truong MInh Quy’s sophomore feature film y one of the most IntrancIng viewIng experiInces of the year. Set In modern Vietnam, the story follows two coal mIners who attempt to make the most of their little time together before one of them is shipped overseas, reconcilIng with the impact of their country’s turbulInt past on their ability to forge a new future.

Mit klaren Einflüssen von Apichatpongs Beschäftigter nutzt Minh Quy die Sprache des langsamen Kinos, um einen hypnotischen Zauber zu erzeugen, der das Publikum in die Hoffnung auf die Sehnsucht eintaucht und eine verurteilte Romanze und die Wirkung von Generationenschmerzen verringert. Die Charaktere sind zwischen ihrem Schmerz in Richtung Vergangenheit und den Rissen des entfernten Lichts in ihrer Zukunft, der Vergangenheit und der Gegenwart gefangen, um zwischen den Wirkungen beider zu unterscheiden.

Der Regisseur übernimmt eine poetische visuelle Sprache wie jede andere und schafft etwas, das sich empfindlich und hart anfühlt und einen unregelmäßigen Hintergrund für eine so zarte Beziehung schafft. Jeder Mensch ist ein Herz einer Zukunft, das in Unsicherheit eingeweicht wird, gefangen von ungelösten Schmerzen und der Dunkelheit ihrer Geschichte, die durch die ausgeprägte Hoffnung auf zentrale Romantik nachgewiesen wird, während sie sich verzweifelt für ein Gefühl von Stabilität und Komfort festhielt.

Janet Planet (Annie Baker)

Janet Planet Es ist ein Film für jeden, der wuchs, dass ihnen gesagt wurde, sie seien eine alte Seele. Die Geschichte folgt einer jungen Frau namens Lacey im Sommer 1991 und wächst mit ihrer Mutter Janet im ländlichen Gebiet von Massachusetts.

Annie Baker kreiert einen raffinierten und zutiefst einfühlsamen Film, der in ihrer Wärme leicht ist und den Komfort festhält, den Lacey in ihrer Mutter als zutiefst schüchternes Mädchen findet, das nicht anderen Menschen in ihrem Alter passt, und sich dafür entscheidet, Zeit allein zu verbringen oder einfach die Handlungen anderer Erwachsener zu beobachten. Menschen, die aus Janets Leben in und aus dem Leben gehen, machen die Welt von Lacey zusammen, um jeden Raum, den er spielt, schweigend umkreist, tröste als Beobachter und im Hintergrund.

Erfassen Sie das einzigartige Gefühl, die Melancholie eines älteren Menschen als junger Mensch zu haben, und schafft ein Gewicht, das sich mit etwas, das sich noch nicht artikulieren oder verstehen kann, es sofort erkennen wird. Nur wenige Filmemacher kümmern sich um das Verständnis oder Stopp in der Perspektive von Kindern, aber aber Janet Planet Es ist in der Lage, die unendliche Möglichkeit, die Nostalgie und die Werbung der Adoleszenz zu erfassen.

Willenskraft (Josh Greenbaum)

Willenskraft Es ist einer der bewegendsten Dokumentarfilme der letzten Jahre, nachdem Harper Steele für eine lange Zeit einen Roadtrip mit dem Freund unternommen hat, um ihn nach dem Abschied als Transfrau wieder in sein wahres Selbst zu führen.

Es ist gekennzeichnet durch gleiche Messungen von Licht und Dunkelheit, wobei die Freude, authentisch zu leben, und die Kraft der Freundschaft sowie die Gefahr von kleinen Menschen, die versuchen, Trans -Menschen ihrer Würde und Rechte zu streifen, zu erfassen. In einer Welt voller Menschen schafft es dem Film, ein Gleichgewicht zwischen Optimismus zu erreichen und die gefährliche Realität dieser Erfahrung für viele zu konfrontieren, sodass es sich fragt, wie unterschiedlich die Roadtrip ohne die Anwesenheit von Ferrells Ruhm und der Meta-Narrativen darüber, wie sich dies auf unsere Fähigkeit auswirkt, gesehen zu werden, sich auswirkt.

Willenskraft Es ist eine notwendige und sich bewegende Geschichte über blinde Verletzlichkeit und unerschütterliche Liebe, die die Schönheit der Freundschaft zeigt, die Bedeutung des echten Verbündeten und der Art und Weise, wie man eine bessere Zukunft schmieden und sich für die Menschen befürwortet, die sie am meisten brauchen.

Universelle Sprache (Matthew Rankin)

Universelle Sprache Es ist eine Ode an Abbas Kiarostami, die innere Welt der Kinder und den magischen Realismus des Wachstums.

Der Film spielt mitten in einem schneebedeckten Winter von Winnipeg und folgt einer Sammlung von Eingangsgeschichten in dieser kleinen Stadt, über die Abenteuer eines Kindes, das versucht, Geld aus einem Eisblock, einem Touristenführer zu Fuß und einem Mann namens Matthew zu extrahieren, der sich mit seiner getrennten Mutter trifft. Es ist ein wunderschön seltsamer Liebesbrief zur Kraft der Gemeinschaft und der Menschen, die um uns herum leben, und Matthew Rankin fügt seltsame und lustige Details hinzu, die sich dem surrealistischen Gefühl einer Welt der Geschichte anschließen, die düster und farbenfroh ist, und schafft verträumtes Brutalismus, der uns an unseren Platz in der Welt und die Nachbarn erinnert, die uns helfen.

Völlig charmant und liebenswert, mit einem kreativen visuellen Stil und einem launischen Sinn für Humor, der die Beschreibung des Films des Films als autobiografische Halluzination perfekt zusammenfasst.

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Nationalhymne (Luke Gilford)

Luke Gilford definiert die Binarians des Genres im Wild West durch seinen zarten und ätherischen Film neu Nationalhymne Nach einem Bauarbeiter, der auf eine queere Rodeo -Ranch trifft, sich seiner Gemeinde anschließt und nach Komfort seines turbulenten Lebenes zu Hause sucht.

Es ist eine weiche Geschichte über die transformative Kraft, ihre Menschen zu finden und wirklich gesehen zu werden. Liebe und Fürsorge werden durch jedes Bild gefiltert und schaffen ein überwältigendes Gefühl der Ehrfurcht vor dieser Gemeinschaft. Durch üppige und nebulöse Bilder lädt uns der Film zu einem einzigartigen Raum ein, wobei Gilford eine queere Utopie in einer traditionell konservativen und hypermännischen Umgebung schafft. Diese Neuerfindung verleiht dem Weltraum neue Leben und ersetzt Starrheit durch verträumte und aufrichtige Bildgebenden.

Eine himmlische Visualisierungserfahrung, die in der Freude anhält, Menschen zu sehen, die gedeihen, wenn erstmals eine wahre Güte gezeigt wird, die es uns ermöglicht, sich eine radikale Zukunft vorzustellen, in der diese Art von Leben möglich ist.

Unter den Tempeln (Nathan Silver)

Nathan Silvers Low -Budget -Comedy -Komödie wurde Anfang dieses Jahres beim Sundance Film Festival uraufgeführt und kam im August in Großbritannien an, scheint aber von auffälligeren Stellplätzen in den Schatten zu nehmen.

Es spielt Jason Schwartzman als Ben, eine Sängerin in einer Synagoge, deren Leben seit dem Tod seiner Frau bergab ist. Als er seinen ehemaligen Musiklehrer von der Grundschule Carla (gespielt von der großen Carol Kane) trifft, stimmt er zu, sein Leben in einem Leben zu erfüllen, die eine Fledermaus haben. Seine Lektionen führen zu einer unwahrscheinlichen und möglicherweise mehr Freundschaft. In jedem Schritt finden sie jedoch den Druck und die Beschwerden der Menschen um sie herum.

Beide Charaktere sind verlorene Seelen, die im anderen einen unwahrscheinlichen Geist finden, aber dies ist keine typische romantische Komödie. Ben leidet an Schmerzen und einer Krise des Glaubens. Ihre Versuche, die geeigneten Frauen für das Alter zu datieren, sind schmerzlich unangenehm, und das Klangdesign, den überlagerten Dialog und die Verwendung von ersten extremen Ebenen sorgen dafür, dass zu jeder Zeit ein Gefühl von Spannung und Beschwerden besteht. Gipfeln bei einem Familienessen, das es wert ist Der Bär y Shiva Baby Dies ist eine perfekt bewegende und verstohlene Komödie.

Das versprochene Land (Nikolai Arcel)

Das dänische historische Epos von Nikolaj Arcel könnte unter dem Radar geflogen sein, weil es zu spät war. Im August 2023 wurde er beim Venice Film Festival Premiere. Er erst im Februar des folgenden Jahres debütierte schließlich international.

Im Jahr 1755 spielt es die unvergleichlichen Mads Mikkelsen als Ludvig Kahlen, ein obdachloser Veteran, der eine echte Erlaubnis erhält, die Brezal de Jutlandia zu kultivieren, eine großartige und verbotene Halbinsel, auf der die Illegalität und die Pflanzen der Königin und der Pflanzen ausfallen. Es gibt einen Hauch von Von der Rückkehr In Das versprochene Land , mit seiner Filmverantwortung für natürliches Licht und Landschaften und sein Ekel von Männern, die versuchen, es zu zähmen.

Aber Arcel sucht nach einer noch größeren Auswahl, und der Film fühlt sich so groß und immersiv an wie Jutland. Mikkelsens grobe Eigenschaften und ein durchdringender Aussehen sind die Perfekte Personifikation der Robustheit Ihrer Umgebung , aber selbst der beste Schauspieler in Dänemark kann die Bühne nicht in den Schatten stellen. Schade, dass es während seines theatralischen Starts nicht weiter verfügbar war, da es es verdient, auf dem größtmöglichen Bildschirm zu sehen.

Kriminelle (Rodrigo Moreno)

Rodrigo Morenos träge Komödie wird sich für einige Zuschauer wie ein Köder und eine Veränderung anfühlen. Es spielt Daniel Elías wie Morán, einen anonymen Narren in einer Bank von Buenos Aires, die beiläufig Hunderttausende von Dollar an ihren Arbeitgebern stiehlt. Sein Plan ist es, die Polizei zu werden und das Geld mit seinem Freund Román (Esteban Bigliardi) zu verbergen, während er seine Gefängnisstrafe erfüllt und das Geld in seine Freilassung aufteilte.

Mit mehr als drei Stunden ist dies kein angespannter Thriller. Tatsächlich ist es überhaupt nicht wirklich ein Thriller. Gerade als Sie dachten, die Konfiguration sei perfekt für eine ruhige kriminelle Fähigkeit, erzählt Morán Roman, dass er in den Córdoba -Hügeln mehr Geld versteckt hat, die er erholen muss. Dies schickt seinen Freund auf eine Serpent -Pastoral -Reise, auf der er sich zur falschen Zeit in einen lokalen freien Geist verliebt und ein existenzielles Erwachen erlebt.

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Dieser Film ist eine surreale und keine gebundene Reise, an die Sie sich selbst aufgeben müssen, um in Ihren Bann zu geraten. Sobald Sie sich jedoch ergeben haben, wird Sie jedoch in Ihren Reiz ziehen und einige eigene Enthüllungen geben. Poetisch, albern und herausfordernd, ist eine völlig ungewöhnliche Erfahrung und eine viel breiteres Publikum.

Timestalker (Alice Lowe)

Irgendwann werde ich aufhören, Alice Lowes transzendible Anti-Romance zu treffen Timestalker , aber nicht als Sie das Publikum erreicht haben, verdient es. Er hat im März im Südwesten im Südwesten uraufgeführt, irgendwie ist er irgendwie durch die Risse geschoben, entweder durch fehlgeschlagenes Marketing oder einfach, weil seine Prämisse einer von sich selbst absorbierten Frau, die einen Mann verfolgt, der in mehreren tausend Jahren Reinkarnation noch mehr absorbiert ist, zu originell ist.

Die Witze hier sind reichlich vorhanden und vielfältig . Es gibt die Sätze, die Konsolidatoren des achtzehnten Jahrhunderts, die verwöhnte persische Katze und die Witze der Sichtweise. Es gibt eine Satire von allem, von Dramen der britischen Periode bis zu David Bowie. Und in seinem Zentrum gibt es eine unerträgliche Leistung von Lowe als Agnes, dessen Unreife und Besessenheit nicht mit einem offen dickischen Prima Donna die unterhaltsamste Leistung des Jahres sind.

Dies ist ein Kultklassiker im Prozess und kann auch in die Bodenniveau eintreten, damit es einer dieser Nerds von vermuteten Filmen sein kann, die auftreten, sagte ich, es ja 15 Jahre später.

Die Mädchen werden Mädchen sein (Shuchi Talati)

Der vielleicht am meisten ignorierende Film des Jahres ist das Drama des Zeitalters des Zeitalters von Shuchi Talati über einen Teenager in einem Internat im Himalaya, der seine erste Romanze erlebt.

Preeti Panigranhi is Mira, a straight-A student whose hard-earned position at the head of her class falls by the wayside when she meets Sri \(Kesav Binoy Kiron\), a new student who’s spent time at various schools around the world and already knows his way around sexual intimacy\. Complicating Mira’s new romance is her protective mother, Anila \(Kani Kusruti, who also stars in Alles, was wir uns als Licht vorstellen ), Der eine unbeholfen enge Beziehung zu SRI entwickelt.

Trotz der Entfaltung mit einer meisterhaften Subtilität, Die Mädchen werden Mädchen sein Es hat einige der denkwürdigsten Momente des Jahres, darunter eine Szene, in der Sie aussehen, Sri und Anila im Wohnzimmer tanzen, ihre Interaktionen ohne Worte, die eine Veränderung des Meeres in seiner Dynamik markieren. Die letzte Szene, die zeigt, dass es ständig eine Mutter -Tochter -Geschichte anstelle einer Romantik war, ist ebenfalls still und das beeindruckendste und zärtlichste Ende des Jahres.