Die 10 besten Filme über Besessenheit

Besessenheit ist etwas, das alle Menschen in unterschiedlichem Maße erleben, sei es eine gesunde Fixierung in einem Film oder einer Band oder in einer Seelenverletzung für eine andere Person. Besessenheit kann ein ganz normaler Bestandteil des Lebens sein, uns mit Motivation aufrechterhalten oder uns kreativ inspirieren.

Andererseits kann die Besessenheit tödlich sein und Menschen täuschen, um Verbrechen zu begehen, auf unnatürliche Weise zu handeln und ihr eigenes Identitätsgefühl zu brechen. Diese Besessenheit, die alles konsumiert, hat einige der denkwürdigsten Figuren, die oft beängstigend im Kino sind und überzeugende Charaktere auf dem Bildschirm ermöglichen.

Im Laufe der Jahre haben die Direktoren die Auswirkungen verschiedener Arten von Besessenheit auf Menschen untersucht, unabhängig davon, ob der extreme Impuls für den Erfolg oder einen Wunsch, der von einer anderen Person leidenschaftlich ist. Besessenheit wird oft in etwas Schreckliches verwandelt, was es zum perfekten Thema für Horror- und Psycho -Thriller macht.

Dann von der Nina verrückt durch das Ballett in Schwarzer Schwan zu dem ekelhaften Humbert Humbert von Lolita Hier gibt es zehn der besten Filme über Besessenheit.

10 Beste Filme über Besessenheit:

Schwarzer Schwan (Darren Aronofsky, 2010)

Darren Aronofskys Black Swan ist eine der besten Darstellungen der zerstörerischen Besessenheit in der jüngsten Filmgedächtnis. Der Film folgt Nina Sayers, gespielt von Natalie Portman (der den Oscar für die beste Schauspielerin für die Rolle gewann) als Balletttänzerin, die langsam ihre Kontrolle über die Realität verliert und gleichzeitig nach Perfektion strebt. Nina verzweifelt sich verzweifelt, die doppelten Rollen des schwarzen Schwanen und des weißen Schwans zu dominieren, während sie sich der Konkurrenz anderer Tänzer und einer dominanten Mutter gegenübersehen, dissoziiert Nina immer mehr von sich, die katastrophal endet.

Um sich auf Papier vorzubereiten, wurde Portman fast so besessen wie sein Charakter. Sie sagte es ihm Kollidieren : At about six months \[before shooting\], we started doing five hours \[of ballet\] a day\. We added in swimming, so I was swimming a mile a day, toning, and then doing three hours of ballet class a day\. Two months before, we added the choreography, so we were doing probably eight hours a day\.

Jungfrau Selbstmorde (Sofia Coppola, 1999)

Sofia Coppola gab 1999 ihr Debüt als Regisseur mit Jungfrau Selbstmorde , adaptiert aus dem gleichnamigen Roman von Jeffrey Eugenides. In den 1970er Jahren erzählt der Film die Geschichte der Lissabon -Schwestern, deren Leben das Thema viel Spekulation und Faszination nach dem Selbstmord des jüngsten Kindes, Cecilia, ist. Die Eltern von Mädchen werden immer autoritärer und verbieten Schwestern, die populäre oder sozialisierende Musik konsumieren.

Der Film wird von einem der Kinder der Nachbarschaft erzählt, jetzt ein Erwachsener, der über das Geheimnis von Mädchen und die Auswirkungen, die sein kurzes Leben auf ihn und seine Freunde hatte, nachdenkt. Coppola rahmt die Besessenheit von Jungen mit Mädchen als Beispiel für die unerschütterliche Objektivierung von Mädchen, auch nach dem Tod. Kinder behandeln Lisbons als Kreaturen aus einer anderen Welt, nichts anderes als Gläser von Schmerz und Schönheit.

Lolita (Stanley Kubrick, 1962)

Wie haben sie jemals einen Lolita -Film gemacht? Es war die Frage zu den Lippen aller, als Stanley Kubrick 1962 seine Adaption des umstrittenen Romans von Vladimir Nabokov startete.

Mit James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters und Peter Sellers, die Filmtöne in vielen der skandaloösesten Momente des Buches aufgrund des Hays -Codes, verringert dies jedoch nicht die Auswirkungen von Humberts obsessive Natur. Kubricks Film dunkel humorvoll, aber ebenso beunruhigend und enthüllt abscheuliche Wahrheiten im Sicht, was darauf hindeutet, dass selbst der intellektuellste und angesehenste Mann die tiefsten Geheimnisse verbergen kann.

Geisterfaden (Paul Thomas Anderson, 2017)

Paul Thomas Andersons historisches Drama Geisterfaden Es ist immer noch Ihr bester Job, was beeindruckend ist und berücksichtigt, dass Ihr Rückenkatalog auch enthält Boogie -Nächte y Es wird Blut geben. Daniel Day-Lewis bietet die Leistung eines Lebens wie Reynolds Woodcock, ein Controller und anspruchsvoller Modedesigner. Anderson untersucht die Auswirkungen der kreativen Besessenheit von Menschen und verfolgt seine Auswirkungen auf Woodcocks Beziehung zu Alma, die trotz seines fanatischen Verhaltens an seiner Seite bleibt.

Geisterfaden Es zeigt, wie Besessenheit in allen Facetten des Lebens, einschließlich Arbeit, Romantik und Familie, manifestieren kann. Woodcock zeigt nicht nur ein zunehmend besessenes Verhalten, sondern auch Seele, was eine intensive und brennende Bindung zwischen ihnen erzeugt.

Rote Straße (Andrea Arnold, 2006)

Kate Dickie bietet eine beeindruckende Leistung als einsamer und betroffener Protagonist des Psychothrillers 2006 von Andrea Arnold Rote Straße. Der Film folgt Jackie, einem CCTV -Operator, der seine Tage mit der Überwachung der Bildschirme verbringt. Ihr Interesse wird jedoch vom Aussehen eines mysteriösen Mannes beeinflusst, und sie beschließt, ihn zu verfolgen. Arnold behält das obsessive Interesse von Jackie bei und erzeugt eine dicke Luft von Spannung und Spannung, während der CCTV -Operator gefährliche und fragwürdige Situationen in Anspruch nimmt, um sich dem Menschen zu nähern.

Rote Straße Es ist eine herzzerreißende Erforschung von Schmerz und Isolation, die untersucht, wie sich die Besessenheit von den seltsamsten und unbegründsten Formen manifestieren kann. Der Film nahm den Jury Award in Cannes und eine besondere Leistung eines britischen Regisseurs, Schriftstellers oder Produzenten in seinem ersten Spielfilm mit nach Hause.

Innere (Jerzy Skolimowski, 1970)

Innere Es ist ein unterschätztes Juwel seit den frühen 1970er Jahren mit Jane Asher und John Moulder-Brown als junge öffentliche Badassistenten. Jerzy Skolimowskis Film untersucht Mikes obsessive Trends, eine 15 -jährige Aufgabe, die sich zunehmend von seinem etwas größeren Kollegen Susan angezogen fühlt. Zehn Jahre ihres letzten Jahres verspottet sie sich über ihre Zuneigung, was sie nur mehr verlangen lässt. Die Ereignisse bröckeln langsam im Chaos, wenn Mikes verzweifeltes Verlangen nach Susan immer deutlicher wird, was zu einer Tragödie führt.

Der Film, der eine originale Krautrock -Band umfasst, hat sogar das Zustimmungssiegel von David Lynch, das einmal gesagt hat: Ich mag keine Farbfilme, und ich kann kaum über Farbe nachdenken. Es senkt die Dinge für mich wirklich, und es gab noch nie einen Farbfilm, der Angst hat, außer einem, so nannte dieses Ding Innere , die eine großartige Kunstrichtung hatte.

Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

Apropos Lynch, sein surreales Meisterwerk von 2001 Mulholland Drive Es ist eine phänomenale Geschichte von nichtlinearer Besessenheit. Der Regisseur entlarvt die Wahrheit hinter dem amerikanischen Traum und hebt die Dunkelheit hervor, die unter einer Besessenheit, die niemals erfüllt werden kann, steckt. Darüber hinaus untersucht der Film die romantische Besessenheit, wobei Diane von Naomi Watts seine geistige Gesundheit gegen Camilla de Laura Harring verliert. Obwohl die Erzählung des Films schwer zu folgen ist, verflechten exzentrische Charaktere mit Szenen, die anfangs nicht zu gehören scheinen, und einem mehrdeutigen Dialog, ein Thema ist sicher: die Besessenheit, die alles verbraucht.

Ein Geheimnis ist eines der schönsten Dinge der Welt, sagte Lynch einmal. In der Tat das Geheimnis von Mulholland Drive Es ist das, was es so schön berauschend macht. In vielerlei Hinsicht ist es leicht, vom Lynch -Film besessen zu sein und zurückzukehren, um wieder zu sehen, um mehr von dem Puzzle zu entschlüsseln.

Augen ohne Gesicht (Georges Francis, 1960)

Französischer Horror von Georges Franju Augen ohne Gesicht Er präsentierte die Maske weich und ohne Eigenschaften dem Kino und inspirierte Michael Myers von John Carpenter in Halloween , Almodovar Er Haut, in der ich lebe und enthalten Gesicht/Aus . Der Film folgt einem obsessiven plastischen Chirurgen, der für die Gesichtsentsorgung seiner Tochter verantwortlich ist, wenn ihre Schönheitssuche gefährlich wird. Als der Film veröffentlicht wurde, fiel die Öffentlichkeit während der Grafikszene der Heterographie wie Fliegen.

Augen ohne Gesicht Es ist eine faszinierende Studie über die patriarchalische Kontrolle und die Rolle des Vaters, und der plastische Chirurg ist besessen davon, seine Macht aufrechtzuerhalten. Darüber hinaus hebt Franju das Potenzial von Energiemissbrauch hervor, das mit technologischen Fortschritten einhergeht, die in den falschen Händen tödlich werden können.

Schwindel (Alfred Hitchcock, 1958)

Er beauty of Schwindel Es erstreckt sich weit über seine lebendige Farbpalette hinaus. Alfred Hitchcocks psychologischer Thriller mit James Stewart und Kim Novak ist eine schwindelöse Erforschung einer Besessenheit, die alles verbraucht. Der Stewart Scottie hat ein verzerrtes Identitätsgefühl, das durch Trauma und Acrophobie getrübt wird, was ihn dazu veranlasst, die Frau zu betrachten, die angeheuert wird, um fortzufahren. Die geistige Verschlechterung und die Tragödie hindern Scottie nicht daran, ihre Besessenheit zu fallen. Stattdessen geht es weiter und überschreitet seine Realität.

Jeder Charakter zeigt auf die eine oder andere Weise eine Form von Besessenheit und unterstreicht die Unvermeidlichkeit von Menschen, die Illusion, Hyperfixierung und Illusion erliegen.

Peitsche (Damien Chazele, 2014)

Damien Chazelle Academy Prize -Gewinner Drama Peitsche , mit Miles Teller und J.K. Simmons überträgt perfekt die Längen, die Individuen erreichen werden, um Perfektion zu erreichen, ähnlich wie Schwarzer Schwan. Teller spielt einen ersten Jazz -Batterie -Schüler, der in einer prestigeträchtigen Musikschule studiert, deren Grenzen von Simmmons missbräuchlichem Lehrer getestet werden. Basierend auf seiner eigenen Erfahrung in einer sehr wettbewerbsfähigen Jazzband in der Schule zwingt der Chazelle -Film die Öffentlichkeit, zu überlegen, ob sie reinen Erfolg haben, die Opfer wert sind.

Bei der Dekonstruktion der Vorstellungen des Ehrgeizes erstellt Chazelle einen Haarfilm, der die Öffentlichkeit am Rand seines Sitzes hält. Sowohl Teller als auch Simmons bieten Aktionen an, die ihre Karriere in diesem akuten und gewarnten Drama definieren.