Von Francis Ford Coppola bis Jean-Luc Godard: 10 Wesentliche Reisefilme

Alles, was Sie für einen Film brauchen, ist eine Waffe und ein Mädchen . -Jean-Luc Godard

Kunst hat die Macht, Menschen in unerforschte Gebiete zu transportieren, von den Fantasy -Welten der Science -Fiction -Arbeiten bis zu den unerforschten Ecken unseres eigenen Planeten. Da das Kino ein visuelles Medium ist, könnte argumentiert werden, dass Filme es viel besser machen können als andere Kunstformen. Reisefilme bieten dem Publikum eine unschätzbare Gelegenheit, das Universum zu erkunden, ohne einen Zentimeter zu bewegen, und bringen die Zuschauer zu einer spirituellen Reise anstelle einer physischen Reise.

Während eines der besten Praktiker des Genres sagte Wim Wenders: Ehrlich gesagt wusste ich nicht, dass das Genre existierte. Ich muss ein paar Filme gesehen haben, glaube ich, ich habe gesehen Umleitung (1945), aber ich erkannte es nicht als Genre. Natürlich kannte ich viele Western, wenn es in diesen Filmen einen Vorläufer gab, war es der Westen. Aber ich wusste nicht, dass man auf Reisen Filme machen könnte.

Fügen Sie hinzu: Ich wusste nicht, dass Sie wirklich in ein Auto einsteigen, eine Geschichte starten können und die Reiseroute und Geschichte sie werden. Während wir es taten Alice in Städten , Ich fand es heraus. Ich fühlte mich wie ein Fisch im Wasser. Dies war die Art von Kino, für die ich geboren wurde.

Wir haben eine Liste von 10 essentiellen Reisemfilmen ausgewählt, die als interessante Einstiegspunkt für die Zuschauer dienen könnten, um das Genre zu erkunden, und Filmlehrer wie Ingmar Bergman und Jean-Luc Godard. Siehe die vollständige Liste unten.

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Die 10 besten Reisefilme aller Zeiten:

Auf der Straße (Federico Fellini - 1954)

Darstellung von Giulietta Masina als einfache junge Frau, die von ihrer armen Mutter an einen starken Mann verkauft und gezwungen ist, den Weg zu nehmen, Auf der Straße Es ist einer der beliebtesten Filme von Federico Fellini. Es ist nicht nur ein Film, der seine physische Reise durch verschiedene Landschaften darstellt, sondern auch Fellinis Versuch, eine Vereinbarung mit dem Kino zu erzielen. Der Film gewann 1957 den ersten Academy Award für den besten Fremdsprachenfilm.

Fellini erinnerte sich, dass ich zunächst nur ein verwirrtes Gefühl hatte, eine Art Ton, der lauerte, was mich melancholisch machte und mir ein Gefühl diffuser Schuld gab, wie ein Schatten, der mich schlug. Dieses Gefühl schlug zwei Menschen vor, die zusammen bleiben, obwohl es tödlich sein wird und nicht wissen, warum. Aber als dieses kristallisierte Gefühl kristallisierte, kam die Geschichte leicht, als hätte er darauf gewartet, gefunden zu werden.

Wilde Erdbeeren (Ingmar Bergman - 1957)

Eine brillante Charakterstudie eines älteren medizinischen Lehrers (Victor Sjöström) in seiner endgültigen Bildschirmleistung auf seiner Autofahrt, um einen Ehrentitel zu erhalten. Wilde Erdbeeren Es ist eine Reflexion über die menschliche Existenz. Während der Lehrer zu seinem endgültigen Ziel geht, reist sein Geist in verschiedene Richtungen und ist gezwungen, sich seinen eigenen Träumen und Albträumen zu stellen.

Bergman enthüllte, ich war überrascht: Angenommen, er solle einen Film von jemandem drehen, der perfekt realistisch kommt und plötzlich eine Tür öffnet und auf seine Kindheit zugeht? Und dann eine andere Tür öffnen und zur Realität zurückkehren? Und dann gehen Sie durch die Straßenecke und betreten Sie eine andere Zeit Ihres Lebens, und alles lebt noch und geht weiter wie zuvor? Das war der wahre Ausgangspunkt von Wilde Erdbeeren .

Pierrot El Loco (Jean-Luc Godard-1965)

Pierrot El Loco Es ist ohne Zweifel eines von Godards ersten Meisterwerken mit einer verrückten Welt, in der Fiktion und Fantasie weiter kollidieren, bis die beiden nicht zu unterscheiden sind. Mit Jean-Paul Belmondo und Anna Karina als ein paar komplizierte Liebhaber folgt der Film ihnen in ihren Missgeschicken, während sie von Paris zum Mittelmeer reist.

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Sagte Godard, Menschenpaare Abenteuer. Wir sind im Urlaub, sagen sie. Das Abenteuer beginnt, sobald wir an der Küste sind. Sie betrachten sich nicht als das Abenteuer, wenn sie ihre Bahntickets kaufen, während im Film alles auf dem gleichen Niveau ist: Der Kauf von Zugkarten ist ebenso aufregend wie das Schwimmen im Meer.

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Einfacher Pilot (Dennis Hopper - 1969)

Dieser Classic von 1969 ist eines der endgültigen Werke des Genre des Road -Films von 1969 eine moderne amerikanische Odyssee, die von Drogen und Vertrauen in die Hippie -Kultur gespeist wird. Einfacher Pilot Er hatte einen sehr einflussreichen Einfluss auf die neue Hollywood -Bewegung und eroberte die Essenz dessen, was es bedeutet, auf der Straße zu sein und aus den Fesseln der Gesellschaft zu fliehen.

In a Interview Mit der Roller kommentierte Hopper: Die neue Generation weiß nichts über mich, außer was sie gesehen haben Einfacher Pilot. Die Gesellschaft liebt es, Blasen dort zu platzieren und sie zu platzieren und stört mich. Ich bevorzuge mich. Ich habe die Hollywood -Bilder wirklich müde: Der großartige männliche Star, der wirklich ein Homosexueller ist, die beiden Schuhe, die alle in den dunklen Räumen auf Partys ficken. Ich wollte verletzlich sein, weil ich dachte, es wäre etwas anderes. Aber ich schlafe nicht mit Kameras, also ist dieser Film nicht Dennis 'wahrer Hopper.

Mauren (Terrence Malick - 1973)

Dieses kriminelle Neonair-Drama von 1973 war das brillante Debüt als Direktor von Terrence Malick. Der Film basiert frei auf der Welle des Mordes über das wirkliche Leben von Charles Starkweather und seiner Freundin im Jahr 1958 und präsentierte der ganzen Welt die einzigartige ästhetische Sensibilität von Malick. Mauren Die Protagonisten von Martin Sheen als trübe Schmutz und Veteran des Koreakrieges, der den Vater seines Geliebten schießt und sie drängt, eine bemerkenswerte Reise durch das Westmedium in die Badlands Lands von Montana zu unternehmen.

Am Ende meines zweiten Jahres in Los Angeles fing ich an zu arbeiten Mauren Sagte Malick. Meine Einflüsse waren Bücher wie die Hardy Boys, die schweizerische Familie Robinson, Tom Sawyer und Huck Finn, die alle einen Unschuldigen in einem Drama auf dem Kopf betrafen. Ich wollte, dass das Bild als Märchen konfiguriert wird, aus der Zeit, wie z. Finanzinsel .

Angriff (Werner Herzog - 1977)

Die Tragikomödie von Werner Herzog von 1977 erzählt die Geschichte eines Musikers der Berlin Street, der Deutschland nach dem Verlassen des Gefängnisses verlässt. Bei der Ausweicher Suche nach einem besseren Leben findet es in Wisconsin das Ideal des amerikanischen Traums, der sich schnell in etwas vollständig verwandelt.

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In a Interview with Roger Ebert, Herzog revealed: I don’t know how and why; the strange thing is that with both the crabs and the dancing chicken at the end of Angriff , Die Besatzung konnte es nicht nehmen, sie hassten es, sie waren eine loyale Gruppe und im Fall von Angriff Sie hassten ihn so sehr, dass er die Kamera selbst bedienen musste, weil der Direktor der Fotografie, das sehr gut und engagiert war, ihn so sehr hasste, dass er sie nicht schießen wollte. Er sagte: Ich habe noch nie etwas so dummes gesehen. Und ich habe versucht zu sagen: Sie wissen, dass etwas so Großes so groß ist. Aber sie konnten es nicht sehen.

Apokalypse jetzt (Francis Ford Coppola - 1979)

Frei basierend auf dem berühmten Roman von Joseph Conrad von 1902 von 1902 Herz der Dunkelheit, Francis Ford Coppolas Opus Magnum stellt sich die gleiche spirituelle Reise in Richtung der Tiefen des menschlichen Zustands im Kontext des Vietnamkrieges vor. Coppola stellt zweifellos das ehrgeizigste Projekt ein starker Kommentar zu Kolonialismus, Gewalt und menschlicher Fähigkeit zur Zerstörung.

Was in einem Moment, 20 Jahre später, als Avant -Gartle angesehen wird, wird für Wandteppichpapier verwendet und wird Teil der Kultur. Es schien, dass dies mit [[ Apokalypse jetzt ], Sagte Coppola. Als ich das tat, hatte ich kein Skript. Ich brachte ein Herz aus grünem Pinguin -rustikaler Kopie von Dunkelheit Mit all meinen unterstrichenen in ihm. Ich habe diesen Film gemacht.

Paris, Texas (Wim Wenders - 1984)

Paris, Texas Es ist die gekrönte Leistung der illustren Filmographie von Wim Wenders. Der Film untersucht die Bedeutung der Familie und die grundlegende Isolation des Menschen und zeigt Harry Dean Stanton auf einer herzzerreißenden Suche, um die Fragmente ihrer Familie zu sammeln. Trotz der riesigen Landschaften schafft es dem Film, sich auf die intimen Elemente der menschlichen Psyche zu konzentrieren.

In a Interview, Wenders said, From our first one-page outline, we knew the movie was Travis and Jane, and we had to take Travis to that point, and ourselves to that point, and face a story neither of us had told before. We had to get there slowly. I don’t think there’s a break; at some point in the middle, the movie turns and starts walking on new territory, like in a blank space in the landscape. At least my landscape.

Landschaft im Nebel (Theo Angelopoulos - 1988)

Landschaft im Nebel Es ist das mächtige Porträt des griechischen Autors Theo Angelopoulos of Innocence Unschuld. Er hat zwei junge Brüder auf der Suche nach seinem imaginären Vater, der verzweifelt versucht, die Grenze nach Deutschland zu überqueren, aber in gefährlichen Situationen zu sein.

Angelopoulos erklärte: Über die Einbeziehung in den Film hinaus, ein archetypisches Element, das mit Auswirkungen von primären Konflikten und existenziellen Eitelkeiten beladen ist, bildet das Vorhandensein von Mythen in meinen Filmen die Grundlage für die zweifellos materialistische Beziehung zur Tradition. Der Schlüssel zu dieser Beziehung ist nicht die mechanische Reproduktion des Mythos und seine äußere Inkarnation im Stoff einer modernen Geschichte mit dem Ziel, seine ewige und unveränderliche Natur zu bestätigen. Im Gegenteil, es ist seine kritische Abschaffung, es innerhalb einer rein fiktiven Erzählung ohne die grundlegende Implikation der Bedürfnisse zu begrenzen.

Wir leben in einer Kultur, die diese Mythen geerbt hat, und wir müssen sie um jeden Preis zerstören und ihnen eine menschliche Dimension geben. Ich akzeptiere weder das Schicksal noch die Idee des Schicksals. Beim Eintritt in den Mythos der historischen Realität wird es zu einer echten Geschichte mit einer anderen Dimension. Es ist keine Interpretation: Ich gebe ihm eine menschliche Dimension, weil es der Mensch ist, der Geschichte macht und nicht Mythos.

Sonatina (Takeshi Kitano - 1993)

Der Kultklassiker von Takeshi Kitano von 1993 ist einer der besten Yakuza -Filme aller Zeiten. Anstatt in die Welt der freien Gewalt herabzusteigen, nähert sich Kitano mit der Ablösung eines Philosophen der Brutalität auf dem Bildschirm. Es erzählt die Geschichte einer Gruppe von Gangstern, die an den Stränden von Okinawa Zuflucht suchen, die der Welt und ihren inneren Wesen verborgen sind.

les gold tod

Der Filmemacher beklagte sich, meine Filme waren in der japanischen Öffentlichkeit für ihre ständigen kommerziellen Misserfolge bekannt. meiner zweiten Siedepunkt ( 3-4x Ju-Gatsu ) bis Holen Sie sich etwas Das war übrigens mein bisher weniger erfolgreich erfolgreich erfolgreicher Film. Zum Beispiel, Sonatina Es wird jetzt als eine Art Meisterwerk bei vielen Menschen angesehen, aber als es in Japan gestartet wurde, verschwand es in zwei Wochen!